La primera etapa pictórica de Antoni Clavé en la galería Jordi Pascual

Antoni Clavé (Barcelona, 1913 – Saint-Tropez. Francia, 2005), uno de los grandes maestros de la pintura y que también estudió en la Escuela de París como lo hicieron Picasso, Miró o Saura, es el protagonista de la exposición ‘Antoni Clavé. Pinturas’ representada en la galería Jordi Pascual de Barcelona y que consta de una veintena de cuadros. Es un testimonio de la primera etapa del pintor que engloba desde los años 40 a los 60.

Ya desde el principio de su etapa pictórica se puede apreciar un estilo figurativo, aunque en ocasiones realista, donde el color tiene la suficiente fuerza como para dar un significado, y transmitir sentimientos y sensaciones.

Clavé, durante los años 50 desarrolló distintas series sobre reyes, reinas y caballeros, que poco a poco pasaron del terreno figurativo hacia el abstracto. Aún así, en obras como ‘Roi à l’oiseau’ (‘Rey del Pájaro’), del 1957, se puede observar que a partir de la técnica del óleo y el collage sobre tabla consigue una figura poco definida de un rey que mira a un pájaro. Para estos personajes utiliza colores oscuros como el marrón, el gris, el negro y el azul, representados sobre un fondo de color claro –resultado de una mezcla entre blancos y grises–. Aún así, al ver los distintos cuadros de Clavé, uno se percata de su atracción hacia los colores oscuros, que predominan y hasta forman parte de la totalidad de su obra –negros, marrones, azules, verdes y grises–. El toque de alegría lo dan algunos puntos de color rojo, azul, naranja, amarillo o rosa fosforescente, que forman manchas que se transforman en ‘toques artísticos’ muy bien encontrados y característicos en Clavé.

En esa época también pasó a marcar con fuerza los trazos de las caras de los distintos personajes, aunque con el tiempo, en muchas ocasiones, prefirió no dar tan protagonismo sino más bien, realizar rostros desdibujados. Un claro ejemplo es ‘Bailarines’ (1945) donde lo importante es la figura, en conjunto, de los bailarines y la posición en que se encuentran. Más tarde, hacia los 60, Clavé se vio influenciado por los clásicos y el barroco, reflejando una temática en la que se observa un caballero con la mano en el pecho, estableciéndose como un referente suyo y que fue apareciendo en distintas creaciones del artista, como en la obra ‘La main’ (‘La mano’), hecha en 1964, en la que hay una persona con un vestido negro y un rostro muy desdibujado en el que destaca una mano descansando en su pecho, una mano que además resalta por sus grandes dimensiones. Éstas y las demás obras se pueden apreciar hasta el 15 de febrero en la Jordi Pascual, situada en la zona de mayor concentración de galerías de la ciudad Condal.

‘Roi à l’oiseau’, de Antoni Clavé. Imágenes cedidas por la galería Jordi Pascual

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Vanguardias del Siglo XX en la Galería Manuel Barbié

Obras de vanguardistas destacados como Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Gustav Klimt, Joaquim Torres-Garcia, Alexander Calder y Constantin Brancusi han sido reunidas en la Galería Manuel Barbié bajo el título ‘Afinidades Selectivas’. Coincide con la inauguración de una nueva etapa de la galería, establecida de nuevo en su antigua ubicación de la calle Consell de Cent de Barcelona.

La muestra consta de una gran colección que hace un recorrido por el arte del siglo XX, empezando por el cubismo de Juan Gris, María Blanchard y Amédée Ozenfant; siguiendo con el choque del mundo moderno y maquinista, Jean Metzinger, Albert Gleizes; el redescubrimiento de la sensualidad de Pablo Picasso, Gustav Klimt, Pablo Gargallo y Julio González; la abstracción geométrica y cromática de Joaquim Torres-Garcia, Alexander Calder, Fernand Léger o Alexandra Exter; el arte matérico de Antoni Tàpies y Constantin Brancusi; el arte povera de Tàpies y Eduardo Chillida; abstracciones con Manuel Rivera; y la investigación sobre el espacio y el volumen por parte de Vladimir Lebedev, Robert Delaunay y Jean Arp.

El título de la exposición surge de la novela de J.W. Goethe , ‘Las afinidades selectivas’, que 1922 el ensayista alemán Walter Benjamin dedicó un artículo a analizar las ideas sobre el arte y la creación, que contiene dicho libro. En su escrito, Benjamin expuso una serie de ideas sobre el arte y el lenguaje que en buena parte se pueden aplicar al arte del siglo XX. El arte de aquél siglo se secularizó, perdió el carácter sagrado que tenía en otras épocas, pero al mismo tiempo, se convirtió en la morada de un saber oculto, de un misterio trascendente.

Desde la perspectiva de la novela de Goethe, el concepto de afinidad selectiva remite a la atracción imperativa y misteriosa que empuja a las personas a unirse. Lo mismo pasa con las obras de arte que establecen vínculos subterráneos, por razones formales o por una necesidad interior del artista. Siguiendo esta idea, las obras se estructuran en grupos de dos o tres piezas, alrededor de una sensibilidad o de un estado de ánimo, más allá del estilo o del movimiento. La mirada obsesiva de Klimt, en un dibujo de 1917, aporta un punto de encuentro con la voluptuosidad y la intimidad de una escultura de Gargallo que consiste en una mujer desnuda que se mira en el espejo (1934). Los planes sesgados de un estable Calder, de 1962, establecen una correspondencia con una composición constructivista de Alexandra Exter, una de las grandes figuras de la vanguardia rusa, de los años 20-21. Una extraordinaria escultura de Brancusi, ‘Vis sans Fins de Pressoir’ (1922) aparece junto a una pintura de Antoni Tàpies, de 1964, con una letra T invertida. En ambos casos la materia transmite una idea de ascensión y de trascendencia. Las obras de estos vanguardistas estarán expuestas hasta el próximo 17 de diciembre.

‘Paysage’ (1929), de Fernand Léger. Fuente: Galería Manuel Barbié

 ‘Bol et compotier’ (1925), de Juan Gris. Fuente: Galería Manuel Barbié

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La multitud de personas de Genovés y los espacios de Nadal en la ‘Mayoral Galeria d’Art’

La ‘Mayoral Galeria d’Art’ (Barcelona) expone una selección de ocho obras del artista que trata la multitud de personas, Juan Genovés (1930, Valencia), y quince del pintor de interiores y lugares urbanos, Carlos Nadal (1917, París – 1998, Barcelona).

Genovés refleja los encuentros y desencuentros, personas que se topan o se alejan de un punto en un espacio donde lo importante son los humanos representados en forma de mancha. En ‘Emplazamiento’ (2005) se aprecia a cuatro agrupaciones de personas, a la vez un poco dispersas, que van hacia un mismo punto, buscan un encuentro. Es como si fueran hacia allí para compartir algo, para reunirse pero están separadas por líneas que recuerda a fronteras que impiden la unión. Donde sí que siguen todos una misma dirección y sentido es en ‘Recuadro’ (2007). El movimiento es evidente, algunas personas van más avanzadas que otras, los de delante parecen los guías o líderes y van en la misma dirección que unos chorreos amarillos que transitan por el suelo granate. A medida que los humanos recorren el camino, más difuso está el amarillo, como si la mancha estuviera en el lugar de donde proceden estos.

Nadal se encarga de plasmar distintos edificios y lugares, ya sea un teatro, un circo, un café un interior de una casa, un paisaje urbano o un puerto. El artista contempla con una mirada distinta, muestra su propia escenificación aunque muy bien planificada. A través de su pintura figurativa, transmite alegría y felicidad, viendo sus obras parece que el tiempo tiene que pasar más rápido, como si nos transmitiera el mensaje que vivamos intensamente, lo mejor posible, como se puede observar en ‘Fête nautique’ (‘Festival náutico’). En este cuadro parece que las olas van a un ritmo escalofriante, moviendo los veleros que se encuentran cerca del puerto. Parece que sea una competición, ya que se puede observar a muchas embarcaciones con banderas de distintos países. La representación de las nacionalidades también se proyecta en ‘El círco Tívoli’ (1980) celebrado al aire libre y los personajes parecen que sean del mundo del espectáculo andando por la zona como si fueran preparando el entretenimiento. Aparece un café, una terraza y distintos escenarios con el mar de fondo. Es invierno y el día está nublado.

Las pinturas de estos artistas con estilos y enfoques tan diferentes, pero con indudable encanto, se pueden visitar hasta septiembre.

 

‘Emplazamiento’, de Juan Genovés

‘Fête nautique’, de Carlos Nadal

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‘Art Petritxol’ expone dibujos de primer orden

No es fácil reunir a más de veinte grandes artistas catalanes en una sola exposición, pero la galería ‘Art Petritxol’ (Barcelona) lleva tres generaciones cogida de la mano del arte así que sabe cómo hacerlo y qué factor le da un valor añadido. De modo que ha decidido exponer a dibujos sobre papel de primer orden de pintores como Eliseu Meifrèn, Ramon Casas, Ricard Opisso, Joan Cardona, Mariano Fortuny, Joaquim Mir, Antoni Clavé, Santiago Rusiñol, Isidre Nonell, Joaquim Terruella, Ramon Ribas, Josep Amat, Francesc Serra y Olga Nicolajevna Sacharoff, entre otros. El responsable de ‘Art Petritxol’, Héctor Albericio, ha explicado que han escogido a estos artistas porqué consideran que son los “representativos de la trayectoria de la galería”.

Con tan sólo entrar en esta galería, uno se queda perplejo al ver frente a él, un gran dibujo de Meifrèn titulado ‘Mallorca’ –hecho con carbón– con unas dimensiones de 115 x 153 cm. Se aprecia la costa con algún pescador preparando sus herramientas bajo un cielo nublado, cuyas nubes se reflejan en el mar. Esta es la obra más llamativa en cuanto a su tamaño pero las demás, de formatos menores, también son piezas minuciosamente elegidas.

El baile originario del sur, el flamenco, famoso por su rápido movimiento, melodía y canto, despiertan la atención de Terruella  que paraliza el momento en ‘Noche en el Teatro’, y Joan Cardona en ‘Tablao flamenco’. En el primero se puede apreciar a todos los espectadores –todo hombres– observando atentamente a la bailarina que está sola en el escenario, en cambio en el dibujo de Cardona se muestra sólo la parte artística: la bailarina, con el guitarrista y una mujer, cantando, sentados. En ambos destacan parte de la vestimenta con un rojo vivo muy característico. Ribas aporta una melodía más relajada, clásica, con su cuadro ‘Bailarinas’ (1944) donde se ve a siete chicas que hacen precalentamientos antes de salir ante su público. Todas ellas vestidas igual, excepto el maillot, que parece que  diferencia a dos grupos, cuatro danzarinas que lo llevan verde, dos azul, y una que va tapada con un pañuelo rojo y, por tanto, no se puede apreciar en que grupo está.

Opisso añade la parte social,  la copa con los amigos, en este caso de pintores como muestra en ‘Picasso, Utrillo, Rusiñol y Casas en París’ que están sentados en una terraza de un bar. Además, en esta exposición hay un cuadro del mismo pintor que refleja la clase alta con sus elegantes vestidos en la ‘Costa Azul’, como indica su título. Gente de categoría que también refleja Ramon Casas en ‘Estudio preparatorio “plain air”’ que toma como protagonista a una mujer, con su vestido largo y sombrero a conjunto, abanicándose.

Mariano Fortuny se encarga de plasmar escenas históricas impresionistas realizadas con un toque de expresionismo abstracto. Hechos como los que se podían explicar en una postal. Los encargados de dibujarlas podrían ser Joaquim Mir y Santiago Rusiñol, ya que dibujan postales, con sello incluido. La del primero lleva por título ‘Pollença’ y la de Rusiñol, ‘Mallorca’, ambos con paisajes característicos.

El estilo más marcado y llamativo es el de Clavé por su abstractismo, a partir de un dibujo titulado ‘Composición’ donde predominan los trazos negros, aunque también se observa alguno de rojo y azul. En su conjunto refleja una fuerza expresiva.

Con estos sólidos cuadros de renombre, uno se quedaría horas observando y valorando cada trazo, color y significado. Tiempo que se agotará, en esta ocasión, el 15 de julio.

‘Costa Azul’ (17x23cm), de Ricard Opisso

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Distintos lugares y estilos pintorescos en la ‘Galeria d’Art 4 Cantons’

Miquel Torner de Semir, Josep Costa Vila, Joan Vilà Moncau, Xavier Viñolas y Pere Mayol son los protagonistas de la exposición colectiva representada por 38 cuadros en la ‘Galeria d’Art 4 Cantons’ de Olot (Gerona). Estilos muy distintos que señalan un toque artístico muy bien conseguido y valorado.

Torner de Semir (1938, Santa Pau, Gerona) estudió en la escuela de San Fernando de Madrid y al visitar el Prado, se impregnó de la pintura de Velázquez y optó por reproducir las meninas a su gusto, con su estilo propio, con tonos de colores vivos como el rosa y el violeta fosforescente que no deja lugar a dudas del resalte, modernidad y simpatía del artista. Además, si se observa atentamente, uno se puede encontrar con el uso por parte del artista, de la técnica del collage, que decide incrustar un trozo de tejido, cartón o hasta una partitura musical. Las obras de este pintor han recorrido sitios de Europa, America y Japón.

Un estilo muy distinto es el de Costa Vila (1953, Granollers, Barcelona). Se decanta por los núcleos urbanos de grandes ciudades que aglomeran a personas con diferentes destinos. Muestra un movimiento continuo y donde el tiempo parece que va más rápido, provocando así, un “estrés” marcado por su propio compás. En estos refleja, la publicidad de los grandes edificios, los restaurantes y fachadas de casas señoriales. Utiliza tonos muy amarillos, aunque sabe buscar la sinfonía adecuada de los distintos colores para, junto a sus trazos breves, formar las distintas figuras.

Los paisajes que conforman los pueblos parece que son esenciales en las obras expuestas de Joan Vilà Moncau (1924, Vic, Gerona). En ellos siempre busca un lugar fresco, una naturaleza viva que se encuentra en jardines o plazas. La vitalidad viene dada por los humanos, por eso siempre aparece como mínimo una persona e incluso, en algún caso, un gran grupo de personas que comparten conocimientos y vivencias como es el caso del cuadro que refleja la comunicación social que se establece en los mercados, en medio de un paseo y donde la gente compra productos.

Xavier Viñolas (1915, Olot, Gerona) tiene un gran repertorio impresionista que va desde el paisaje hasta la figura, la composición y las escenas urbanas. Los cuadros expuestos en esta galería van relacionados con el paisaje, -como el que recuerda a la Fageda de’n Jordà-, los lindos prados y, la vida en el campo, con la compañía de los caballos que tiran del carruaje. Escoge lugares concretos que parece que acojan a la nostalgia. Una manera de sentirse orgulloso de su tierra.

Otro paisajista fue Pere Mayol (1906-1986, Llagostera, Gerona), establecido en Olot. Adquirió los conocimientos que le transmitió su maestro, Iu Pascual. Sus obras muestran un realismo excepcional y una gran ingenuidad y firmeza. Tratan sobre la natura desértica donde los árboles, los arbustos y la tierra hablan por si solos, con una luminosidad muy bien alcanzada. Las obras de este y los demás pintores se pueden ver hasta medianos de junio.

Obra de Costa Vila en la ‘Galeria d’Art 4 Cantons’

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Albert Vegas refleja la sociedad actual

Espacios urbanos donde se establece vida social, restaurantes, cafés y calles comerciales, cuyo glamour destaca. El artista Albert Vegas (Olot, 1982) refleja la sociedad actual, su ruido y movimiento. Parece que el estrés esté al pie del cañón. Sorprende su forma de pintar, la mezcla con collage muy bien integrado en la obra. La ‘m&m Art Gallery’ de Olot (Gerona) expone cuadros de este joven artista que muestra su dominio de la técnica pictórica.

Vegas muestra un gran interés por distintos lugares del mundo, como Roma, Nueva York , Irlanda, y sobre todo por Francia, seguramente motivado por el hecho de que hay muchos pintores que viajan a nuestro país vecino. De estos sitios surgen algunas de sus obras como ‘Ireland’ donde muestra los bares típicos irlandeses que seguramente forma parte de la zona de ‘Temple Bar’ (Dublín, Irlanda) con fachada de madera de colores, en este caso, roja. Y no puede faltar un cartel de la famosa cerveza Guinness, producida en la capital. El suelo de la calle está hecho de adoquines, que parecen reales, a la vista de las personas que pasean por la calle.

Otro bar, pero situado en la capital italiana es el ‘Café de Roma’. Utiliza una escala de grises, pero destaca con distintos colores a la mayoría de personas que están sentadas en la terraza, una de ellas con la cara de Marilyn Monroe sacada de una fotografía y estableciendo así la técnica de collage. No es el único collage: también hay publicidad en la pared y una persona en la misma terraza tocando la guitarra sentada al lado de una mesa. El edificio y una vespa –de origen italiano– están pintados a color.

El lujo se percibe claramente en ‘Guess’, una marca de moda. Se puede observar a una mujer que sale de la tienda con aspecto de pertenecer a una clase social alta, mientras un hombre está sentado tocando el saxofón para pedir dinero. Asimismo, encima de él hay un póster de un anuncio de un perfume francés bastante conocido y la chica que sale, va vestida muy glamorosa, otro símbolo de dinero. Este cuadro muestra un desequilibrio social y económico, una gran realidad.

La obra ‘Fashion Girona’ está enfocada a un tipo de moda juvenil, donde las chicas llevan el bolso colgado de la mano, con gafas de sol, pantalones cortos “shorts” y camisas largas. En este también hay una vespa aparcada, al igual que una pared pintada con estilo pop-art.

El pintor sabe que quiere transmitir y cómo hacerlo de la manera más artística, causando una impresión al espectador que se planta delante de sus obras llenas de dinamismo, originalidad y un mensaje descriptivo impresionante. Sus cuadros llaman la atención desde la calle de la ‘m&m Art Gallery’, y estarán urbanizando la galería hasta el próximo 7 de junio.

 ‘Fashion Girona’ de Albert Vegas

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Swab sigue creciendo

Swab ha vuelto a abrir, un año más, las puertas. En esta ocasión, en el pabellón número 2 de la Feria de Barcelona. Durante cuatro días, del pasado jueves hasta el domingo, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo ha acogido a 48 galerías -16 más que en 2010- de distintos países del mundo como Francia, Inglaterra, Colombia, Finlandia, Alemania, Italia, Argentina, Portugal y España. Esta cuarta edición también tiene como objetivo presentar artistas emergentes del escenario mundial y compartir un conocimiento estableciendo un diálogo e intercambio de ideas con relación al arte contemporáneo. Se convierte en un punto de encuentro entre los amantes del arte, los artistas y los galeristas.

Al entrar en el pabellón, uno ya se queda gratamente sorprendido al ver un par de obras de Jean Denant en el stand de L. A. Gallery (Plaissan, Francia). Es un artista que destaca por utilizar materiales de canteras, relacionadas con la construcción, ya que le transmite un desorden que luego quiere construir. ‘Mappermonde’ no pasaba nada desapercibida, por su tamaño -2,60 x 3,20 m- y perfección. Un mapa del mundo hecho sobre pladur transmitiendo así un concepto de caos, destrucción y a la vez reconstrucción del mundo.

La N2 Galeria (de Barcelona) ha expuesto obras de Liu Guangyun realizada con distintas materias, entre ellas, la resina. Le da a sus cuadros una tridimensión espectacular. Por otra parte, Samuel Salcedo trae la máxima expresión de sus esculturas en ‘3 punts Galeria’ (de Barcelona). Tan sólo con ver la cantidad de gente que reunía este stand ya se preveía que había algo extraordinario expuesto.

También destaca Mikko Paakkola en la Galleria Maaret Finnberg (de Turku, Finlandia) con un cuadro sin título –de 1,50 x 3,10 m–, valorado en 12.000 euros, donde se puede apreciar un horizonte muy bien definido como si el sol hubiera estallado y todo él formara parte del cielo y reflejara en un mar teñido de marrones mezclado con negros.

En ‘La Nueva Galería’ (de Medellín, Colombia) Jorge Gómez da una perspectiva abstracta del caos, utilizando sobretodo colores oscuros. Chema Alvargonzalez se encarga de la iluminación a partir de sus cajas de luz como muestra en ‘Silla de un solo brazo’, donde el objeto se ve envuelto en un entorno que transmite mucho movimiento, en la Galería Juan Silió (de Santander). Un realismo distinto y original es el de Enrique Zabala con una aparición de color, en una parte de la obra, y blanco y negro, en la otra, mostrado en el stand de la Galería Rosa Santos (de Valencia).

Se han podido observar obras excepcionales, de un valor que va desde los 40 euros hasta pasados los 100.000 euros. En esta feria se ha podido observar que Swab ha vuelto con mucha fuerza, una nueva imagen y un nuevo espacio.

    

 Esculturas de Samuel Salcedo

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JUSTMAD2 consigue el doble de visitantes que en la edición anterior

En JUSTMAD2 se han percibido buenos resultados. En esta segunda edición, celebrada del 17 al 20 de febrero, se ha duplicado la afluencia de público consiguiendo 18.000 visitantes y uno de sus grandes atractivos, JUSTMAD DESIGN que consiste en una nueva sección con ocho galerías internacionales, vendieron el 80% de los diseños expuestos. El precio más alto que se pagó por una obra fue de 50.000 euros, y la más barata no superó los 100.

La feria ha reunido a 130 artistas, más de 35 productores culturales y 52 expositores de 12 países de distintos lugares del planeta como Alemania, Portugal, Rusia, Italia, Suecia, EE.UU., Colombia, Rumanía, Francia, Reino Unido y China. De las obras más espectaculares cabe destacar el óleo sobre tela de Juan Antonio Mañas que lleva por título ‘Una habitación con vistas’ y el de Ulrika Andersson, ‘Projection. The dinner III’ (Proyección. La cena III). Ha habido una gran afluencia de jóvenes artistas que resaltan por su estilo ‘rompedor’ e impactante. De ahí, la originalidad de muchas obras como ‘Piedra’ de Sergio Sotomayor, ‘The poet was hanged on the town square for stealing girl’s hearts’ (El poeta fue ahorcado en la plaza del pueblo por robar los corazones de las chicas) de Valery Pesin. Además de la pintura, distintas obras de otras características y originales esculturas han llenado las salas del edificio señorial de la calle Velázquez.

En JUSTMAD2 se han sumado, en esta edición, nuevas secciones como JUSTMADDESIGN sobre el diseño, METROSOUND, donde el arte sonoro ha llenado algunas estaciones Metro de la capital, y PRODUCERS ‘DESKS, una sala preparada para discutir temas del arte que preocupan llevado a cabo por representantes de instituciones extranjeras.

   

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Magníficas obras singulares

Cerca de 30 obras de arte fascinantes están en silencio en la Galería de Artur Ramon Art, en Barcelona. Son obras únicas y excepcionales, como bien indica su lema, 'Obras Singulares. Tratando con la excelencia'. Nada más entrar, los visitantes se encuentran con esculturas y distintos artilugios. Pero a medida que los asistentes van recorriendo la sala pueden encontrar por su camino distintos cuadros.

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