El arte energético de Roser Noguera

La pintura también se puede convertir en un medio de expresión que mezcla el arte con las energías y la espiritualidad. Se trata del arte energético, una revelación de nuestro interior. Roser Noguera (Barcelona, 1961) se ha especializado en esta tipología. Desde sus inicios artísticos ha buscado algo más allá de la pintura, una profundidad en cada persona.

Después de un estudio del sujeto, interiorizando y hablando con él, Noguera detecta en qué fase o situación se encuentra y le orienta espiritualmente. Transmite al alma de una persona, una manera de empujar a descubrirse ella misma y apoyarla para encontrar su camino. De este modo, en sus cuadros –siempre óleos sobre tela– plasma lo que las personas esconden en su interior. Algunos de ellos, se exponen en la Art Gallery One de Sant Just Desvern (Barcelona) bajo el título ‘Renacer’, una forma de proponer una reflexión para volver a nuestra esencia y para evolucionar en nuestras vidas a partir de conocernos mejor.

Hace dos años que la pintora trata este tipo de disciplinas energéticas, presentes desde el inicio de sus obras y hasta el final. La artista explica que su pincelada sale del corazón y lo plasma en la tela, sin pasar por el cerebro. En algunas, se puede observar la última fase de la persona, en otras, la evolución –compuesta por distintas fases–. Ejemplo de ello es ‘Montserrat C.’, una pintura que contiene tres etapas. En la primera aparece un monstruo que representa a una niña, ya que es como se sentía hasta que pasa por un proceso de maduración donde se puede observar que del monstruo aparece un pentagrama con notas musicales –segunda fase–, hecho que significa que ya entiende lo que le pasaba, y finalmente se convierte en un bello cisne que nada tranquilamente –última etapa–. Otra de sus obras, ‘Gina’, es sobre el maltrato. En la derecha del cuadro aparece la figura de un maltratador con el puño cerrado y el brazo tatuado, y en la izquierda, la chica llorando, pero no llora por el trato recibido sino porqué él decide dejarla. Esto es una manifestación de la sumisión. Se puede concluir que finalmente ella lograba ser consciente que estar sola era mucho mejor que estar con su ex pareja.

Toda la creación de Roser Noguera es figurativa, con pinceladas expresionistas y acompañadas de un fuerte simbolismo que nace de la idea de apostar para “que la gente evolucione y viva mejor. Gente que necesita ayuda y yo lo hago a través de mi obra”, ha explicado la artista. Gran ejemplo de ello es la obra, ‘Niños y Familia’. Se trata de una donación al hospital St. Joan de Déu de Barcelona. Una manera de apoyar a los niños, a los padres y la familia, “porqué puedan entender lo que no entienden. El cuadro transmite energía, principalmente, de apoyo”, ha añadido Roser Noguera.

Así, refleja la historia de una persona o el deseo de ayudar un colectivo. Realiza sobretodo obras personalizadas por encargo por eso no es fácil encontrar su obra, pero la Art Gallery One ha recopilado una colección formada por nueve obras para dar a conocer a todo el público el arte energético.

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La galería Francesc Mestre Art estimula el coleccionismo

Acercar los dibujos y los grabados a los coleccionistas, piezas de pequeño formato, calidad, y a un precio al alcance de aún bastantes bolsillos. El título escogido es ‘Acceso al Arte’, una manera de hacer un llamamiento para que los amantes del arte se inicien en el mundo del coleccionismo y posean una pequeña historia del Arte Catalán de los siglos XIX y XX, y los que ya se encuentren en él adquieran alguna pieza original. Francesc Mestre director de la galería Francesc Mestre Art (Barcelona), considera que ahora es el mejor momento, motivo que le ha llevado a organizar esta muestra.

“Los nombres son muy reconocidos”, por la sociedad y sobre todo por los amantes del arte, “y otros”, comenta el galerista, “estoy seguro que lo serán”. Nombres relevantes como Antonio Saura, Josep Guinovart, Isidre Nonell, Francesc Gimeno, Segundo Matilla, Eliseu Meifrén,... Y la lista continúa. Grandes artistas que han conseguido llegar a la cúspide del arte catalán con su magnífica trayectoria profesional.

Uno no se queda indiferente delante de dibujos e ilustraciones que reflejan la sociedad catalana, sobre todo burguesa, de Joan G. Junceda, Pere Prat Ubach, Josep Coll y Ricard Opisso. Dibujos basados en el humor. Pequeños ‘gags’ que convierten situaciones reales en graciosas e irónicas como ‘A sus pies’ de Prat Ubach.

Sorprende el dibujo ‘Interior del café con Toulouse-Lautrec y Oscar Wilde’. Esta vez, es Henri Toulouse-Lautrec, pero en otras Opisso eligió a Santiago Rusiñol, Picasso, Isidro Nonell, Ramon Casas o Pere Romeu. En este dibujo expuesto, aparece un pequeño Touluse-Lautrec. El catalán se movía por los mismos ambientes de distintos artistas de la época, entre los cuales hay el dibujante francés. Coincidieron poco, ya que Toulouse-Lautrec murió al poco tiempo de que Opisso viajara a París (1901). En aquel entonces, a Opisso le hablaron del irlandés Oscar Wilde, que murió a finales de 1900 en la capital francesa. Así que decidió plasmar en una acuarela a estos dos personajes, sentados juntos en un café. Pero sólo fue fruto de la imaginación del catalán.

También hay ilustraciones destacadas por su calidad y porqué fueron divulgadas en algún medio impreso como ‘Paseo por el parque’ de Emili Grau Sala, publicada en el número 553 de la revista Elle, además de ‘El Cornetilla’ del artista Joaquim Torres Garcia, publicada en la ‘Barcelona Cómica’, en enero de 1897, donde ilustró el texto de ‘El Cornilla’ de Miguel Palacios. Estos dibujos junto a los gravados expuestos son una muestra de la creación de pequeños “relatos” de artistas que han dejado una huella en la historia del arte catalán y que se puede acceder hasta el próximo día 17.

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La primera etapa pictórica de Antoni Clavé en la galería Jordi Pascual

Antoni Clavé (Barcelona, 1913 – Saint-Tropez. Francia, 2005), uno de los grandes maestros de la pintura y que también estudió en la Escuela de París como lo hicieron Picasso, Miró o Saura, es el protagonista de la exposición ‘Antoni Clavé. Pinturas’ representada en la galería Jordi Pascual de Barcelona y que consta de una veintena de cuadros. Es un testimonio de la primera etapa del pintor que engloba desde los años 40 a los 60.

Ya desde el principio de su etapa pictórica se puede apreciar un estilo figurativo, aunque en ocasiones realista, donde el color tiene la suficiente fuerza como para dar un significado, y transmitir sentimientos y sensaciones.

Clavé, durante los años 50 desarrolló distintas series sobre reyes, reinas y caballeros, que poco a poco pasaron del terreno figurativo hacia el abstracto. Aún así, en obras como ‘Roi à l’oiseau’ (‘Rey del Pájaro’), del 1957, se puede observar que a partir de la técnica del óleo y el collage sobre tabla consigue una figura poco definida de un rey que mira a un pájaro. Para estos personajes utiliza colores oscuros como el marrón, el gris, el negro y el azul, representados sobre un fondo de color claro –resultado de una mezcla entre blancos y grises–. Aún así, al ver los distintos cuadros de Clavé, uno se percata de su atracción hacia los colores oscuros, que predominan y hasta forman parte de la totalidad de su obra –negros, marrones, azules, verdes y grises–. El toque de alegría lo dan algunos puntos de color rojo, azul, naranja, amarillo o rosa fosforescente, que forman manchas que se transforman en ‘toques artísticos’ muy bien encontrados y característicos en Clavé.

En esa época también pasó a marcar con fuerza los trazos de las caras de los distintos personajes, aunque con el tiempo, en muchas ocasiones, prefirió no dar tan protagonismo sino más bien, realizar rostros desdibujados. Un claro ejemplo es ‘Bailarines’ (1945) donde lo importante es la figura, en conjunto, de los bailarines y la posición en que se encuentran. Más tarde, hacia los 60, Clavé se vio influenciado por los clásicos y el barroco, reflejando una temática en la que se observa un caballero con la mano en el pecho, estableciéndose como un referente suyo y que fue apareciendo en distintas creaciones del artista, como en la obra ‘La main’ (‘La mano’), hecha en 1964, en la que hay una persona con un vestido negro y un rostro muy desdibujado en el que destaca una mano descansando en su pecho, una mano que además resalta por sus grandes dimensiones. Éstas y las demás obras se pueden apreciar hasta el 15 de febrero en la Jordi Pascual, situada en la zona de mayor concentración de galerías de la ciudad Condal.

‘Roi à l’oiseau’, de Antoni Clavé. Imágenes cedidas por la galería Jordi Pascual

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Empieza Room Art Fair, una nueva feria de arte emergente

Este viernes ha abierto sus puertas la Room Art Fair Madrid, una nueva feria de arte emergente que se celebra hasta el próximo domingo en el hotel chic&basic Mayerling, situado en el centro de la capital.

Uno de los aspectos más originales de este evento es que los stands de las galerías son las habitaciones de este hotel de diseño y que durante este fin de semana acoge a 21 galerías jóvenes y emergentes de toda España, y un espacio colombiano llamado Casa Cuadrada de Bogotá. Las españolas presentes son, cinco de la capital –Galería Guerrero, PAC-Plataforma de Arte Contemporáneo, Pelayo, Arteuno y ASM28–; cuatro de Barcelona –Imaginart Gallery, Untitled BCN, etHALL y N2 Galería–; tres de Valencia –Espai Tactel, Trentatres Gallery y Mister Pink–; tres de Mallorca –Centre d’Art La Real, Addaya e Intersecció Art–; y con una sola presencia: Almería –Centro Meca-, Cantabria –Espiral-, Oviedo –Lola Orato–, Santiago de Compostela –Metro Arte Contemporánea– y La Coruña –Monty4arte–. Éstas pretenden ofrecer una visión panorámica de lo más actual en cuanto a creación artística española.

La organización describe a esta feria como “un evento joven que nace con vocación de servir de revulsivo al mercado emergente y al panorama artístico de la capital. Esta iniciativa apuesta por galerías jóvenes que plantean propuestas innovadoras y arriesgadas, y que han sido seleccionadas en función de su originalidad, juventud y compromiso con las nuevas generaciones de artistas”. Está dirigida a todos los públicos, pero pone énfasis en que quiere “atraer a un nuevo tipo de coleccionista, más joven”. En el acontecimiento se exponen obras de pequeño y mediano formato cuyos precios son accesibles para todos los bolsillos, sin perder la calidad y originalidad.

Room Art Fair se ha inspirado en experiencias llevadas a cabo con éxito en otros lugares del mundo. Las habitaciones del hotel sirven para presentar las obras de los artistas y al mismo tiempo son el alojamiento de los galeristas participantes. Según la organización, “es una fórmula de propiciar un ambiente relajado y de cercanía que favorezca la venta”. Esta iniciativa la lleva a cabo Espacio Plano B en colaboración con hoteles chic&basic, y cuenta con “un equipo emprendedor, multidisciplinar, experimentado y muy joven, con una media de edad de 30 años”.

METRO. Escultura. Rosendo Cid. Técnica mixta

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El ‘FONSDART Galeria’ celebra sus 20 años con una exposición inédita de Cuixart

Este mes, ‘FONSDART Galeria’ de Olot cumple 20 años desde su creación. Por este motivo, durante todo un año, celebraran distintos actos conmemorativos tanto artísticos, como culturales y sociales. El primero de ellos ha sido la exposición de Modest Cuixart (Barcelona, 1925- Palafrugell, 2007), que lleva por nombre ‘Cuixart enigmático’, compuesta por varias obras que representan una muestra de las distintas épocas del pintor. Algunos de estos cuadros no se habían expuesto nunca anteriormente.

Cuixart es uno de los artistas catalanes más importantes de la posguerra y fue fundador del grupo ‘Dau al Set’ (‘Dado al Siete’), formado por artistas e intelectuales: Joan Brossa, Antoni Tàpies, Joan Ponç, Arnau Puig y Joan Josep Tharrats. Modest Cuixart plasma en sus obras surrealistas imágenes oníricas, mágicas y misteriosas, pero comunican una realidad. Pasó por el expresionismo pictórico, evolucionó hacia el abstracto y acabó sintiéndose muy cómodo en el informalismo, que le permitió utilizar distintos materiales no convencionales e investigar técnicas.

Se puede apreciar una tendencia a dejar su rastro a partir del marrón, ya que es el color que utiliza en gran parte de sus obras. Así en, ‘Ras de Tramot’ se puede observar el perfil de una figura con formas geométricas sobre un marrón que se mezcla en algunas zonas con el negro. Otro ejemplo, son algunos de sus acrílicos sobre papel que tienen un fondo de un marrón más claro y una figura abstracta de un tono más oscuro en el centro. Aún así, el atrevimiento en cuanto a color, lo podemos percibir en obras pertenecientes a su época expresionista, como ‘Helena’ donde aparece una mujer sola, con colores fuertes que manifiestan su energía a partir de un rosa que sale del cabello de la chica y que termina con una forma parecida a una mano como si cogiera una manzana roja de un árbol, un reflejo del pecado original, aunque en este caso el nombre no sea el de Eva.

La exposición se ha inaugurado este sábado y está constituida por una veintena de obras de grandes dimensiones –realizadas con óleo sobre tela– y pequeño formato –con la técnica de óleo sobre papel pegado a tablex–. Esta magnífica recopilación, ejemplo de las distintas etapas pintorescas de Cuixart, se puede visitar hasta el día 3 de febrero.

Inauguración de la exposición ‘Cuixart enigmático’

‘Helena’ (óleo sobre tela de 146 x 114 cm), de Modest Cuixart

Imágenes cedidas por ‘FONSDART Galeria’ de Olot

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La Sala Vinçon acoge una gran variedad de obras a un precio económico

La Galería Safia de Barcelona ha organizado un año más una exposición al alcance de prácticamente todos los bolsillos. Consiste en una colectiva expuesta en la Sala Vinçon, situada en el Paseo de Gracia, que cuenta con una cincuentena de artistas, la mayoría pintores, algunos escultores y dos fotógrafos. La gran variedad de obras recogidas bajo el lema ‘Hipermerc’Art’, pone de manifiesto un encuentro del arte de calidad con el público en general sin el impedimento económico –hay obras a partir de 59 euros–. Además, es un autoservicio donde el público puede recoger las obras que se encuentran agrupadas por artistas junto al curriculum correspondiente, como si se tratara de un hipermercado.

Esta 28ª edición ofrece una gran variedad de estilos y producciones de distintas medidas de pequeño de formato. Cada artista tiene 60 obras en la muestra. La exposición recoge paisajes figurativos de Àngel Asensio; el fabuloso mundo imaginario de Jordi Pintó; el abstracto de Saskia Siebe; los colores intensos y la influencia de los viajes a África y Asia de Anna Agustí Hontangas; el cubismo y diversidad de colores de Miquel Paton; el constructivismo y también cubismo del francés Jean-Marc Hild, el cual expone por primera vez en Barcelona y trata temas como la música, la naturaleza, la mujer y la arquitectura –como la torre Agbar y el Hotel Vela– con un fondo realizado con cera aplicado a la técnica de collage y acrílico sobre papel.

La Galería Safia realiza cada año por estas fechas ‘Hipermerc’Art’, como una singular manera de promocionar a varios artistas. La gran pluralidad de estilos y obras se podrán observar hasta el próximo día 7 de enero.

Imagen cedida por la Galería Safia

Imagen de la obra ‘Vissi d’amore, vissi d’arte’ de Jean-Marc Hild, cedida por el mismo artista

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Marta Moreu integra la naturaleza en el hombre

Figuras humanas, esbeltas, que muestran una ligereza ligada a la naturaleza. Marta Moreu (Barcelona, 1961) es su creadora que mediante el bronce consigue unas bellas y, en muchas ocasiones, atrevidas esculturas. Art Petritxol ha confiado en ella en varias ocasiones y ahora lo vuelve a hacer a partir de una exposición llamada ‘Los cuatro elementos’.

Moreu pasó un tiempo en Miami y se emocionó con los manglares  por sus cualidades que permiten que vivan en tierras inundadas y estar en una zona de agua salada o dulce. Esto la inspiró a integrar la naturaleza en el hombre, mediante los cuatro elementos naturales, el fuego, el agua, la tierra y el aire. La tierra es el símbolo que más se representa en esta exposición. Hombres que les salen ramas de la cabeza o de alguna extremidad como si formaran parte de su cuerpo. Un estilo figurativo que muestra la existencia y la natura aplicada al movimiento, acción y desplazamiento. También hace una apuesta por el equilibrio junto al dinamismo, como se puede observar en ‘Buceando’ que consiste en una figura femenina sumergiéndose en el agua situada en diagonal sobre una base, experimentando una huída aunque sea de sus pensamientos. Curiosa y bella, una figura que parece que guíe hacia la libertad. En creaciones así uno se percata de la excelente labor de la artista, para compensar la gravedad y ofrecer agilidad. Cabe destacar una de las esculturas que luce una gran majestuosidad: la ‘Mujer tumbada IV’ mostrando su feminidad insinuadora aunque con su mano señala hacia algún lugar, como si intentara desviar la atención del público. Desnudos que esconden un lenguaje cargado de experiencias y vivencias de la artista aunque añadiendo algún aspecto surrealista. No quiere destacar la totalidad de una belleza física, por eso no se perciben con precisión los rostros. Es una forma de transmitir que el interior de una persona no se expone siempre aunque sea una parte importante de la belleza. De este modo, Moreu muestra su preocupación por ideas abstractas que son fruto de sus pensamientos.

Un claro ejemplo de los elementos de la naturaleza son las esculturas ‘Fuego’, ‘Agua’ y ‘Tierra’ donde la parte superior de la figura humana se convierte en ese elemento. Esta forma atrevida de aplicar la naturaleza en el hombre y la mujer se puede observar hasta el próximo día 10.

 ‘Mujer tumbada IV’, de Marta Moreu

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El mundo diversificado de Katerina Alavedra-Duchoslav

Katerina Alavedra-Duchoslav (Checoslovaquia, 1958) plasma sus vivencias sobre países que conoce muy bien. En su historia destacan tres países, ya que nació en la República Checa, su etapa adolescente y estudiantil la pasó en Suiza, y su vida más adulta en Cataluña, donde se instaló al encontrar el amor. Su producción es fruto de sus experiencias pasadas. De ahí, ‘Mi mundo’, título de su exposición más reciente, en la galería Traç d’Art de Sabadell.

Entre las obras destacan temas como Praga y Lisboa. Lo plasma aportando un aire bastante mediterráneo, a partir de distintos colores suaves y que aportan calma, reflexión y hasta nostalgia. Sentimientos muy bien construidos y estructurados, que le permiten expresarse satisfactoriamente en sus obras. En muchas ocasiones nos muestra una perspectiva lejana como en ‘Praga desde la torre’ y ‘Lisboa pequeña y panorámica’. Otra ostentosa visión, es la que representa la suma de dos cuadros (uno al lado del otro), y que forman una histórica fábrica y símbolo del vínculo fuerte que tuvo la ciudad de Terrassa con el textil: el Vapor Aymerich, tan conocido por los egarenses.

Del estilo figurativo de la artista mediante la técnica acrílico sobre tela resultan unos paisajes realistas con una iluminación muy bien encontrada, al igual que los pequeños detalles que completan sus cuadros como por ejemplo, las ventanas de las ciudades, las hojas de los árboles o las personas que dan vida a la ciudad. Esta pintora muestra su vocación no sólo en los paisajes sino también en las figuras humanas y los bodegones que, acompañados de fruta y plantas, constituyen una decoración muy completa.

Los cuadros de Alavedra-Duchoslav, afincada en Sant Cugat del Vallès, muestran una diversidad de sensaciones, fruto de haber vivido en distintos lugares. Un trabajo bien perfilado y expuesto en la galería Traç d’Art hasta el próximo día 30.

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El misterio de la presencia del ser humano grabado por Montserrat Senserrich

Personas que revelan su existencia de una forma muy común: caminando. Montserrat Senserrich (Sabadell, 1939) ha querido transmitir su presencia a partir de las piernas de las figuras humanas y de las sombras que les acompañan siempre tomando  protagonismo y no despegándose de ellas. Manifestado, todo ello, en grabados, la Galeria Nova 3 de Sabadell ha querido mostrar esta vitalidad acogiendo diferentes tiradas de 11 piezas.

El grabado es una técnica complicada. Hay artistas que no se ven capaces de realizarlo debido a su dificultad. Senserrich es una pintora que ha querido exponer su experiencia en grabados, realizados utilizando varias técnicas como la aguatinta –que requiere de distintos ácidos y crea zonas de distintos tonos–, el aguafuerte –que se recubre una lámina de una capa de barniz–, la puntaseca y el carborúndum mezclado con ácido o resina. Según el uso de los distintos materiales, coge un color u otro. Senserrich además ha querido utilizar collage en el fondo de algunas obras para darle un color más vivo.

Los protagonistas de sus obras son hombres y mujeres que están caminando hacia su destino o simplemente esperando a alguien. En algunos casos seguramente están charlando, como podemos observar cuando aparecen dos piernas de mujer frente a las de un hombre. Aún así transmite un misterio porqué no podemos percibir la cara de las personas, y en la mayoría de ocasiones ni la cabeza, ni el tronco. Las figuras que muestran movimiento, por los colores utilizados se podría llegar a pensar que están huyendo, pero siempre con su fiel amiga, la sombra.

La artista deja al público intrigado, porqué ofrece sólo una parte de la información enseñando las piernas y el espectador debe imaginar la figura entera. Es una manera de hacernos recapacitar sobre la existencia del ser humano. Los grabados reflejaran dicho misterio en la nombrada galería hasta el próximo 12 de diciembre.

Imagen del grabado cedida por la artista Montserrat Senserrich

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Anna Seguranyes plasma la vida de los jóvenes

El ocio de los jóvenes y las relaciones interpersonales son el tema principal de las obras de Anna Seguranyes (1966, Vic). Ha decidido cazar de forma imprevista a personas que realizan alguna actividad: charlar, pasear, descansar, fotografiar u observar el paisaje, entre otras. Sabe encontrar la espontaneidad y ha captado la atención de la galería Bells Marcs (Vic, Barcelona) que ha decidido exponer sus cuadros.

La pintora estuvo un tiempo en los Estados Unidos, hecho que le ha influenciado en su creación. En algunas de sus obras muestra grandes referencias como matrículas estadounidenses, las famosas letras ‘Hollywood’ o de la cadena de televisión ‘NBC’ que son una clara pista sobre dicha influencia. Encaja su estilo realista en un fondo monocromático limpio, como también caracteriza a su padre, -el reconocido pintor y escultor Joan Seguranyes-, aunque ella utiliza colores más intensos como el azul y el verde vivos. Una manera de aportar un resultado más juvenil y atrevido.

En la mayoría de sus óleos, los protagonistas son un chico y una chica, y si nos fijamos bien podemos detectar que tiene un modelo, ya que son los mismos personajes en varios cuadros. Estos tienen la misma fisonomía aunque les cambia algún aspecto, como por ejemplo el pelo. Esta similitud se puede percibir en las obras ‘Felicitando al ganador’ y ‘Fondo salpicado’. Pero no sólo pinta personas en un agradable paisaje sino que también comida y bebida. En uno de sus cuadros se puede observar a dos trozos de melón junto a una lata de refresco –‘light’–, donde se muestra su marca conocida mundialmente, recordándonos este tipo de aparición “publicitaria” del   estilo pop-art.

Su manera de representar la vida real está muy bien conseguida y es un reflejo de los jóvenes que buscan o encuentran la felicidad de distintas formas: valorando las personas de su alrededor, los paisajes o su vida cotidiana. Esta exposición se puede visitar hasta el próximo día 30.

‘Mini rojo’, de Anna Seguranyes

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Los paisajes urbanos de la mano de Abel Florido

La galería Ausart de Vic apuesta por unos paisajes urbanos extraordinarios que invitan a estar un buen rato observando las corrientes escenas cotidianas de nuestras ciudades, fielmente representadas por el artista Abel Florido (Barcelona, 1963). De ahí, el título de la exposición: ‘Vistas a la ciudad’.

El artista utiliza el acrílico y consigue una creación desdibujada, que hace que el público entrevea las formas. Su estilo figurativo se va definiendo a medida que el espectador se aleja. Es entonces cuando uno puede observar una buena definición, como si aumentara la resolución del cuadro, una técnica complicada pero que está muy bien lograda. Dentro de estas ciudades pinta personas en movimiento, representando la vida en las grandes ciudades con el ambiente en los mercados, los taxis de Nueva York o sus edificios en los que impera la enorme publicidad que ha pasado a ser parte de sus fachadas.

En todos sus cuadros abundan los colores grises, negros y blancos. De hecho, Abel Florido empezó pintando sólo con estos colores, hasta que decidió añadir partes de color. Una manera de innovar y que además le ha salido bien, ya que aporta personalidad y vida. Este toque de energía lo da en determinadas zonas de la obra como en los anuncios, chaquetas, bolsos, taxis o autobuses. Partes que resalta con un color vivo. Emplea mayoritariamente el rojo pero también el azul o el amarillo. Colores bien escogidos y en lugares encontrados correctamente para que añadan importancia y fuerza.

Estas pinceladas que tanto resaltan aportan originalidad y una gran personalidad, por parte de Florido. Además sabe cómo lograr la atención del público que busca apreciar los detalles que se pueden observar en su obra. Paisajes urbanos donde nos hemos podido encontrar alguna vez en nuestra vida, como en el Paseo de Gracia de Barcelona, o en ‘Picadilly Circus’ de Londres, pero que hace que se conviertan en un lugar excepcional. Sus obras se pueden observar hasta el próximo día 30.

 ‘Picadilly Circus’, de Abel Florido

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Joan Seguranyes muestra, por primera vez, sus óleos

El Carme Vic Galeria d’Art (Vic, Barcelona) es testimonio y protagonista de un hecho histórico. Es la primera vez que el artista local, Joan Seguranyes (Vic, 1932), ha expuesto sus óleos públicamente. Las pinturas junto a las esculturas y dibujos constituyen cerca de una cuarentena de obras.

En esta exposición se puede observar una representación completa de sus creaciones en las distintas vertientes artísticas que toman como protagonista a la figura femenina y el misterio de sus formas corporales. Mujeres pensativas, melancólicas y preocupadas pero que intentan cautivar mostrando a su vez, sensibilidad, ternura y sensualidad acentuada en algunos desnudos o semidesnudos pintados sobre un fondo monocromático de color claro para resaltar a la figura. En algunas obras, esa feminidad se encuentra desprevenida como se puede observar en cuadros en que la musa da la espalda al espectador; peina su pelo de distintos tonos marrones y dorado; se lamenta como en la pintura ‘Desnudo sobre fondo negro’; o simplemente reflexiona como en ‘Chica con vestido granate’, ‘Pensando’ y ‘Chica con jersey azul’. Si aparece alguna pieza de ropa, en los cuadros, es de un color oscuro –azul, negro o granate– que contrastan con la piel de las chicas.

Las esculturas expuestas son de bronce. En ellas también representa al cuerpo rotundo de la mujer destacando cualidades tan femeninas como ‘Maternidad’ o ‘Mirarse al espejo’. Seguranyes, reconocido sobre todo como gran escultor por su creación de figuras, muestra sensibilidad por lo clásico aportando, además, una perfección fiel a su estilo figurativo tanto en escultura, dibujo, como pintura.

Este artista, hijo de un escultor, muestra una vocación innata. Su admiración hacia la figura femenina se puede observar en esta galería hasta el 29 de noviembre.

 ‘Peinándose’, de Joan Seguranyes

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El mundo fantástico de Jordi Pintó

Un mundo fantástico lleno de imaginación, ironía, ilusión, e incluso, humor. De este universo forman parte la treintena de obras de Jordi Pintó (Cardona, 1968) que se han presentado en una exposición que lleva por título ‘De colores’ y que fue inaugurada el pasado viernes en ‘La Galeria’ de Sant Cugat.

En el trabajo del artista instalado hace años en Barcelona, se puede apreciar una gran variedad cromática, aunque también cabe destacar que hay cuadros en los cuales predomina un solo color como en ‘Ciudad dorada’, ‘Crepúsculo’, ‘Paraíso azul’ y ‘Qué verde era mi valle’ donde el paisaje urbano es el protagonista.

El pintor ha ido sintetizando la realidad hasta llegar a algo simbólico. “Llego a una realidad a partir de otra”, ha explicado el artista que ama tanto su profesión que no puede separar su vida personal de la familiar. “Cuando voy por la calle y veo un coche, por ejemplo, me imagino unos trazos simples para plasmarlo”, ha añadido el artista. Su obra provoca una sonrisa, por la simpatía que transmite en las formas de las figuras y los paisajes, y por el color utilizado, que aplica a modo de intuición. Convierte la pintura en mágica. Aún así, tiene influencias del constructivismo, el fauvismo, el estructuralismo, la pintura metafísica, el cubismo y el naif. De la combinación de un estilo y otro surge su creación. Además, ha dicho que a veces observa cuadros de otros artistas  para representarlos a su manera. Otra forma de aprender y buscar inspiración, tan necesaria para representar en su mundo.

Cuando uno ve la creación que sale expulsada de su imaginario se queda atento, con una sonrisa, y al ver otra vez esa misma obra u otros cuadros del artista, el espectador se acaba sumergiendo en su mundo y sintiéndose muy cómodo, atraído por los lugares urbanos con formas extrañas, los cocineros chistosos y adorando los paraísos de colores. La exposición, muy recomendada, se puede apreciar hasta finales de noviembre.

‘Cambio climático’, de Jordi Pintó

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Jordi Isern, un paisajista innato

Un “momento mágico” es como define Jordi Isern (Barcelona, 1969) a la naturaleza en su estado más puro que le permite retener el tiempo, y que provoca “una serie de emociones y reacciones al contemplar un bello espectáculo paisajístico”, explica el pintor. Estos momentos tan oportunos se encuentran expuestos, hasta el 2 de noviembre, en la Sala Rusiñol de Sant Cugat y bajo el título ‘Colores latiendo de emoción’.

Hace veinte años que Isern es pintor y artista enamorado del paisaje. Es de Barcelona pero hace bastante tiempo que se trasladó a vivir a Alcover (Tarragona) para encontrarse con su ‘yo artístico’. Necesitaba estar cerca del medio ambiente. Este pueblo junto con el Montblanc –donde tiene su segundo estudio–, la Garrotxa, los Picos de Europa y la isla de Tenerife –lugar de residencia durante una temporada– le han seducido. La atracción que siente hacia estos lugares parece que le den un poder, consiguiendo obras impresionantes y llenas de detalles como la niebla, el reflejo de los árboles en el río, o incluso el humo de las chimeneas de las masías manifestado en el cuadro ‘La Serra del Pou-Montañas de Prades’ y en ‘Lluvioso en Puigsacalm’. Si uno observa los detalles y los colores, puede ver claramente en qué estación del año se realizó la obra. Las hay expuestas de todas las estaciones del año.

Sus creaciones son el resultado de una técnica dominada y muy bien desarrollada. De lejos podrían parecer fotos, pero no, esta pintura esconde algo más. Es testimonio de su gran complicidad con estos lugares que le permiten trabajar muy a gusto. Sus cuadros transmiten una tranquilidad, una confianza y un amor hacia esta tierra que en ocasiones no son lo suficientemente valorados. Este arte emociona y hace reflexionar. Isern consigue detener el tiempo (las nubes, las plantas, los árboles,...) en el mejor segundo y lo guarda para pintarlo en su tela y compartir su recuerdo con todos nosotros. Isern, es sin duda, uno de los mejores paisajistas que hay actualmente en Cataluña.

 ‘Lluvioso en Puigsacalm’, de Jordi Isern

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Las emociones del collage de Carme Magem

Carme Magem (Sant Vicenç de Castellet, 1959) ha evolucionado. Hace un tiempo que dejó atrás el realismo para dar la bienvenida a la figuración, representada por sus extraordinarios collage, que se convierten en el centro de atención de sus obras, canalizando los sentimientos y emociones, que aportan sus dotados trazos de óleo. Singular forma interpretativa que ha llamado la atención de la Traç d’Art Galeria de Sabadell (Barcelona) que ha decidido exponer sus obras bajo el título, ‘Recortes de un sueño’.

La artista aporta una sensibilidad especial aplicando luz, sombra y color para destacar determinadas zonas de la figura humana. Sus expresiones y gestos, muy bien plasmados, esconden un riguroso estudio del cuerpo por parte de la creadora. La ‘seducción’, la ‘fantasía’, la ‘esencia’ y la ‘quietud` son algunas de sus obras que nos trasladan estas actitudes y sentimientos protagonizados, mayoritariamente, por mujeres, seguramente porque son expresiones más exteriorizadas y propias de la feminidad.

Con sus creaciones consigue un collage original realizado a partir de distintos recortes, y remata el cuadro con el pincel, encargado de delimitar las figuras y trazar su máxima expresividad. Más complejas pero muy buen realizadas son las obras con movimiento, como ‘Danza’ y ‘Flamenco’. Posiciones que siguen una melodía, en la mente del espectador, marcada por el ritmo de la obra vecina, ‘Batería’. El compás seductor de la exposición llegará a su fin el próximo 2 de noviembre.

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Humor y crítica en las obras de Carmelo Hernando

Carmelo Hernando (Haro, La Rioja, 1954) reconoce que está influenciado por el recientemente fallecido, Richard Hamilton, uno de los pioneros del Pop Art. Donde más se percibe es en obras como las que forman parte de la serie ‘Pessigoyas’, que forma parte de la exposición ‘Òrbita solar número 57’ de la Galería Contrast, situada en la ciudad de Barcelona.

En ‘Pessigoyas’ –que es un juego de palabras, viene de ‘Pessigolles’ (‘Cosquillas’) y de Goya, al cual le quiere dedicar los cuadros–, el artista explica su visión del mundo. Aparecen personajes como Ferran VII de España vestido de etarra y la duquesa de Alba de superheroína catalanista. De este modo, aporta sentido del humor.

La técnica empleada en sus óleos es obsesiva, busca la perfección pintando con una lupa y unos pinceles muy finos, cada cm² tarda hora u hora y media. Es fascinante. Hernando  reflexiona y con su temática hace una crítica a modo personal. Sus escenas son surrealistas con el fin de transmitir un mensaje con humor, que forma parte de su realidad.

A partir de la serie ‘Espanes’, Hernando explica la historia de España; en ‘Animaloas’ humaniza a los animales; en ‘Cerebrísima trinidad’ cambia un poco la historia y está enfocada hacia el ser humano; en ‘Queridos muertos’ pinta lápidas antiguas, y dentro personajes de la historia del dibujo, la ciencia, música y cinema, que son sus referentes; la serie ‘Sexto Milenio’ está compuesta por seis obras que son como un código de barras, sucesos que dejan rastro. Se habla de la historia de occidente y va del pasado hacia el futuro. Hace referencia a: el barroco, Darwin, el manuscrito más antiguo, `La danza’ de Henri Matisse, la tendencia a idolatrar o sacrificar ciertos aspectos de la vida, y la idea de que la cultura llegará a un ambiente espiritual.

Retrata el siglo XXI, “conforme este avanza focalizo nuestra casa común iconográfica, la cual está llena de pequeñas deformaciones tecnológicas”, afirma Carmelo Hernando. Una crítica interesante sobre la sociedad, que se da a conocer hasta el próximo 5 de noviembre.

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Pintura catalana de finales del XIX y principios del XX en la Anna Ruíz Galeria d’Art

Artistas con renombre de finales del siglo XIX y principios del XX, los podemos encontrar en la Anna Ruíz Galeria d’Art de Barcelona. Los protagonistas de esta exposición son Josep Tapiró, Ramon Sanvisens, Josep de Togores, Carlos Nadal y Francesc Gimeno.

Josep Tapiró (Reus, 1838 – Tánger, 1913) hizo autenticas obras, que reflejaban la vida del Magreb. Visitó por primera vez Tánger, y empezó a pintar a gente de aquella ciudad en sus cuadros. Le atrajo tanto la cultura magrebí que en 1876 decidió instalar su estudio en Tánger y vivir allí hasta el fin de sus días. En ‘El encantador de serpientes’ se puede observar a dos tangerinos en medio de la calle, uno que llama a una puerta y el otro que está esperando atentamente. Mientras, las serpientes están sueltas, ya que el cesto está tumbado en el suelo como si alguien lo hubiera tirado. Los edificios, con sus ventanas y puertas delatan que se trata de una escena pintada en un país árabe. Un cuadro fascinante. De Tapiró también hay expuestas otras acuarelas sobre papel: una ‘chica vestida de gala’ y el ‘Retrato de moro’ donde refleja la vejez.

Josep de Togores (Cerdanyola del Vallès, 1893 – Barcelona, 1970) estuvo marcado por distintos estilos, pero un ejemplo de su etapa impresionista es la obra expuesta ‘Oliviers’, donde se observan grandes oliveras que dan la bienvenida antes de llegar al pueblo que descansa tranquilo en medio de la naturaleza. No se observan los detalles, aunque el público puede percibir lo que quiere transmitir el pintor.

Un paisaje con más colorido y movimiento es el de Carlos Nadal (París, 1917 – Barcelona, 1998) en ‘Saint Tropez’. Se muestra la zona costera, el mar revuelto y como es común en sus obras, aparece un tiovivo y todo el borde del dibujo marcado con una línea gruesa.

De Ramon Sanvisens (Barcelona, 1917 – Barcelona 1987) se puede observar su expresionismo, en el cuadro ‘La chica’ que se encuentra sentada, pensativa, mirando una planta que tiene delante. Los colores de la obra son llamativos: amarillo, rojo, naranja y azul claro, entre otros. También pintó con este estilo un ‘Autorretrato’ que aparece en la muestra. Este pintor se sentía atraído por los paisajes. Un ejemplo de ello es el llamado ‘paisaje’, de un pueblo rústico, presidido por el campanario de la iglesia, con una vista paradisíaca hacia los montes.

Un árbol es el protagonista en la obra ‘El Pino viejo’ de Francesc Gimeno (Tortosa, 1858 – Barcelona, 1927), muy alto y majestuoso.

Todos estos artistas tienen en común que han nacido en Cataluña, excepto Nadal que nació en París aunque su familia era de Barcelona –aún así, de pequeño volvió a la capital catalana–. Pintores de obras con distintos estilos, visita recomendada.

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Un espacio para el gran Muxart, un maestro de la figuración

Uno de los principales pintores contemporáneos y destacado por sus trazos figurativos es Jaume Muxart (Martorell, 1922). El pasado mes de marzo se inauguró el ‘Muxart, Espai d’Art i Creació Contemporanis’, situado en la Casa Par de la villa que lo vio nacer, un edificio restaurado durante el 2010 y que está destinado a la conservación y exposición de las obras del artista.

Nada más adentrarse en el “museo”, uno se encuentra con un cuadro simbólico que lleva por nombre ‘Ícar’ (1965), una manera de evocar a la mitología griega, y que muestra las heridas de Ícar, ya sin alas, envuelto por la tristeza y el abandono. De ahí las distintas tonalidades de grises. Incluso las flores han perdido vida. En esta misma sala, también hay piezas emblemáticas como las que representan a miembros de su familia, por un lado ’Mis hermanas’ (1947), una de pie con los brazos cruzados y la otra sentada en una silla, se muestran serias pero dispuestas a ser observadas para la realización del cuadro. Una de ellas, aparece en ‘Maria Teresa Muxart’ (1947) estirada en la cama y leyendo un libro, con interés. De este modo empezó con el realismo, aunque años más tarde podemos observar el expresionismo en distintas obras, una de ellas es ‘Belén’ (1951). Movimiento cultural que Muxart establece con la figuración de rasgos lineales y denso empaste aportando intensidad. Aún así, al igual que muchos artistas, en su carrera también está presente el abstracto. ‘Gran árbol’ (1969) y ‘Cúpula blanca’ (1963) son un ejemplo, cuyos colores destacan al mezclarse claros y oscuros.

Siguiendo el recorrido uno se encuentra con su biografía a partir de documentación gráfica: fotografías de juventud, de familia, amigos, grupos de artistas, aulas y alumnos de Bellas Artes, catálogos e inauguraciones de exposiciones, entre otros documentos. En las paredes de la sala se muestran distintas fotografías de su entorno –también privado– y su lugar de inspiración y creación. Cabe resaltar un excelente autorretrato realizado en 1944.

Cuando uno va visitando el espacio, se da cuenta de la gran cantidad de obras del artista, y cómo se aprovecha cada pared con cuadros de distintas medidas y series, compuestos por colores violetas, amarillos y rojos atrevidos, y personajes con fisonomías bien peculiares. Este sitio pretende acercar los sentimientos más profundos del artista. Los espantapájaros, los jarrones que guardan la vida de las flores, paisajes con mar o montaña y sol; obras de pequeño formato muy bien meditadas y con trazos marcados. Al mirar de lejos, en las paredes se ve todo de colores, es como si la paleta del artista no descansara para encontrar el color más adecuado y, muchas veces, vivo.

Las pinturas al óleo de gran formato están reservadas para la parte final del recorrido. Los temas principales son las montañas de Montserrat bajo un cielo claro o la puesta de sol, el Big-bang ‘Figueres de la luz’, paisajes alucinantes, y espantapájaros de distintos colores que muestran el movimiento de su entorno y la incertidumbre. Hay series que forman parte de las mismas temáticas pero cada cuadro es distinto, transmite sensaciones, sentimientos y reflexiones que pertenecen a un momento clave para el artista. Este espacio también reserva un lugar, para los profesionales responsables de la catalogación de la obra y su documentación. Y permite recibir, además de los visitantes en general, la visita del artista, asesores, expertos y coleccionistas de la obra de Muxart. Reúne distintos libros y obras del pintor, y está presidida por un cuadro, `Ritmos´ (1987), de 160 x 195 cm que transmite alegría y un buen empujón para adentrarse en el estudio.

‘Ícar’ (1965), de Jaume Muxart

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La multitud de personas de Genovés y los espacios de Nadal en la ‘Mayoral Galeria d’Art’

La ‘Mayoral Galeria d’Art’ (Barcelona) expone una selección de ocho obras del artista que trata la multitud de personas, Juan Genovés (1930, Valencia), y quince del pintor de interiores y lugares urbanos, Carlos Nadal (1917, París – 1998, Barcelona).

Genovés refleja los encuentros y desencuentros, personas que se topan o se alejan de un punto en un espacio donde lo importante son los humanos representados en forma de mancha. En ‘Emplazamiento’ (2005) se aprecia a cuatro agrupaciones de personas, a la vez un poco dispersas, que van hacia un mismo punto, buscan un encuentro. Es como si fueran hacia allí para compartir algo, para reunirse pero están separadas por líneas que recuerda a fronteras que impiden la unión. Donde sí que siguen todos una misma dirección y sentido es en ‘Recuadro’ (2007). El movimiento es evidente, algunas personas van más avanzadas que otras, los de delante parecen los guías o líderes y van en la misma dirección que unos chorreos amarillos que transitan por el suelo granate. A medida que los humanos recorren el camino, más difuso está el amarillo, como si la mancha estuviera en el lugar de donde proceden estos.

Nadal se encarga de plasmar distintos edificios y lugares, ya sea un teatro, un circo, un café un interior de una casa, un paisaje urbano o un puerto. El artista contempla con una mirada distinta, muestra su propia escenificación aunque muy bien planificada. A través de su pintura figurativa, transmite alegría y felicidad, viendo sus obras parece que el tiempo tiene que pasar más rápido, como si nos transmitiera el mensaje que vivamos intensamente, lo mejor posible, como se puede observar en ‘Fête nautique’ (‘Festival náutico’). En este cuadro parece que las olas van a un ritmo escalofriante, moviendo los veleros que se encuentran cerca del puerto. Parece que sea una competición, ya que se puede observar a muchas embarcaciones con banderas de distintos países. La representación de las nacionalidades también se proyecta en ‘El círco Tívoli’ (1980) celebrado al aire libre y los personajes parecen que sean del mundo del espectáculo andando por la zona como si fueran preparando el entretenimiento. Aparece un café, una terraza y distintos escenarios con el mar de fondo. Es invierno y el día está nublado.

Las pinturas de estos artistas con estilos y enfoques tan diferentes, pero con indudable encanto, se pueden visitar hasta septiembre.

 

‘Emplazamiento’, de Juan Genovés

‘Fête nautique’, de Carlos Nadal

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La sala Dalmau apuesta por el atrevimiento artístico

La sala Dalmau reúne una colectiva formada por obras de Manolo Belzunce, Juan Canals, Javier Lapuente, José Leguey y Lorenzo González, que muestran el atrevimiento a partir de tonos, mayoritariamente, claros.

Manolo Belzunce (Lorca, Murcia, 1944) utiliza una gran variedad de técnicas y soportes, siempre con un trazo fuerte y muy bien marcado para imponer su importancia en la lectura del cuadro. Su fuente de inspiración son sus viajes a Japón, Mozambique y Mali. En las obras expuestas se puede observar un collage –a partir de distintos materiales– acompañado de colores fuertes buscando la sensualidad de las figuras y su entorno, como las diferentes representaciones del cuerpo femenino mostradas en ‘Homenaje a Matisse’. En este cuadro se puede observar como el fondo se ha realizado con collage, y encima ha hecho los trazos convenientes para dar forma a la obra. Otro cuadro de Belzunce es ‘Composición’ donde se puede percibir que entre las personas pintadas se establece una comunicación entre el hombre y la mujer.

Las obras expuestas de Juan Canals (Hospitalet de Llobregat, Barcelona, 1964) son cubistas, como se puede observar en ‘Momento’ y en ‘Homenot’. En estas la perspectiva desaparece y se dan formas geométricas. Canals define los objetos que cree más importantes con trazos fuertes, y los que deja para un segundo “plano” tienen unos trazos muy finos. Sabe escoger los colores para llegar a un buen resultado. Los colores más usados son el rosa, el cian, el azul, el granate y el rojo.

La plasmación de los objetos sobre la tela viene dada por Javier Lapuente (Tarazona, Zaragoza, 1959). Unos objetos muy bien pintados que, a pesar del abstractismo, permite deducir cuales son, como la mesa y silla de ‘Retratos de agua I’. Al mantel no le falta originalidad, y en la planta de atrás no le falta vida, ya que tiene unas ramas muy gruesas y su presencia aporta tranquilidad. En ‘El jardín de lo insinuado’ se puede encontrar desde ramas, hasta hojas, flores y gotas de agua. En sus cuadros aporta el valor de la materia y la naturaleza, pero a la vez símbolos de la existencia como es el agua o la tierra que los muestra como un misterio.

Los momentos, lugares y conceptos, a partir de sobretodo collage, los representa de excelente forma José Leguey (Elche, Alicante, 1951), como ‘El olvido’ donde se ve una imagen nítida, en el centro, a su izquierda algo borrosa, y en la derecha ya no se percibe nada, sólo rayas, como si hubiéramos de volver a sintonizar nuestra mente. Una muy buena forma de explicar el significado de este concepto que, en algunas ocasiones, odiamos tanto, y a la vez nos llena de miedo y preocupación. También tiene lugar la ironía como en ‘El cuento del sapo’ donde aparecen militares subiendo las escaleras de un edificio como si estuvieran en una operación ofensiva, mientras en la parte derecha del cuadro se ve a una mujer con su hijo observados por enormes sapos, una manera de representar una dualidad, la de atacar con armas y la de no actuar violentamente sino que protegiendo de una forma pacífica.

Lorenzo González (medina de Rioseco, Valladolid, 1943) muestra un estilo actual pero con un sentido clásico como transmite en ‘El secreto del escultor’. Con la escultura y el taller del escultor obtiene figuras con formas clásicas. Aún así, rompe con la utilización de colores llamativos como el verde, el azul, el naranja y el amarillo. En la exposición también hay un cuadro que lleva por título ‘Cubiertos azules’ donde en su interior se encuentra una bandeja, con base de madera, y unos cubiertos. Es como si hubiera incluido una escultura en una vitrina.

La mayoría de obras expuestas son abstractas, con un estilo suave y a la vez que llamativo. Todos estos cuadros se pueden observar en la Sala Dalmau hasta el 31 de julio.

‘El cuento del sapo’ de José Leguey  

‘Homenaje a Matisse’ de Manolo Belzunce

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