El arte energético de Roser Noguera

La pintura también se puede convertir en un medio de expresión que mezcla el arte con las energías y la espiritualidad. Se trata del arte energético, una revelación de nuestro interior. Roser Noguera (Barcelona, 1961) se ha especializado en esta tipología. Desde sus inicios artísticos ha buscado algo más allá de la pintura, una profundidad en cada persona.

Después de un estudio del sujeto, interiorizando y hablando con él, Noguera detecta en qué fase o situación se encuentra y le orienta espiritualmente. Transmite al alma de una persona, una manera de empujar a descubrirse ella misma y apoyarla para encontrar su camino. De este modo, en sus cuadros –siempre óleos sobre tela– plasma lo que las personas esconden en su interior. Algunos de ellos, se exponen en la Art Gallery One de Sant Just Desvern (Barcelona) bajo el título ‘Renacer’, una forma de proponer una reflexión para volver a nuestra esencia y para evolucionar en nuestras vidas a partir de conocernos mejor.

Hace dos años que la pintora trata este tipo de disciplinas energéticas, presentes desde el inicio de sus obras y hasta el final. La artista explica que su pincelada sale del corazón y lo plasma en la tela, sin pasar por el cerebro. En algunas, se puede observar la última fase de la persona, en otras, la evolución –compuesta por distintas fases–. Ejemplo de ello es ‘Montserrat C.’, una pintura que contiene tres etapas. En la primera aparece un monstruo que representa a una niña, ya que es como se sentía hasta que pasa por un proceso de maduración donde se puede observar que del monstruo aparece un pentagrama con notas musicales –segunda fase–, hecho que significa que ya entiende lo que le pasaba, y finalmente se convierte en un bello cisne que nada tranquilamente –última etapa–. Otra de sus obras, ‘Gina’, es sobre el maltrato. En la derecha del cuadro aparece la figura de un maltratador con el puño cerrado y el brazo tatuado, y en la izquierda, la chica llorando, pero no llora por el trato recibido sino porqué él decide dejarla. Esto es una manifestación de la sumisión. Se puede concluir que finalmente ella lograba ser consciente que estar sola era mucho mejor que estar con su ex pareja.

Toda la creación de Roser Noguera es figurativa, con pinceladas expresionistas y acompañadas de un fuerte simbolismo que nace de la idea de apostar para “que la gente evolucione y viva mejor. Gente que necesita ayuda y yo lo hago a través de mi obra”, ha explicado la artista. Gran ejemplo de ello es la obra, ‘Niños y Familia’. Se trata de una donación al hospital St. Joan de Déu de Barcelona. Una manera de apoyar a los niños, a los padres y la familia, “porqué puedan entender lo que no entienden. El cuadro transmite energía, principalmente, de apoyo”, ha añadido Roser Noguera.

Así, refleja la historia de una persona o el deseo de ayudar un colectivo. Realiza sobretodo obras personalizadas por encargo por eso no es fácil encontrar su obra, pero la Art Gallery One ha recopilado una colección formada por nueve obras para dar a conocer a todo el público el arte energético.

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La galería Francesc Mestre Art estimula el coleccionismo

Acercar los dibujos y los grabados a los coleccionistas, piezas de pequeño formato, calidad, y a un precio al alcance de aún bastantes bolsillos. El título escogido es ‘Acceso al Arte’, una manera de hacer un llamamiento para que los amantes del arte se inicien en el mundo del coleccionismo y posean una pequeña historia del Arte Catalán de los siglos XIX y XX, y los que ya se encuentren en él adquieran alguna pieza original. Francesc Mestre director de la galería Francesc Mestre Art (Barcelona), considera que ahora es el mejor momento, motivo que le ha llevado a organizar esta muestra.

“Los nombres son muy reconocidos”, por la sociedad y sobre todo por los amantes del arte, “y otros”, comenta el galerista, “estoy seguro que lo serán”. Nombres relevantes como Antonio Saura, Josep Guinovart, Isidre Nonell, Francesc Gimeno, Segundo Matilla, Eliseu Meifrén,... Y la lista continúa. Grandes artistas que han conseguido llegar a la cúspide del arte catalán con su magnífica trayectoria profesional.

Uno no se queda indiferente delante de dibujos e ilustraciones que reflejan la sociedad catalana, sobre todo burguesa, de Joan G. Junceda, Pere Prat Ubach, Josep Coll y Ricard Opisso. Dibujos basados en el humor. Pequeños ‘gags’ que convierten situaciones reales en graciosas e irónicas como ‘A sus pies’ de Prat Ubach.

Sorprende el dibujo ‘Interior del café con Toulouse-Lautrec y Oscar Wilde’. Esta vez, es Henri Toulouse-Lautrec, pero en otras Opisso eligió a Santiago Rusiñol, Picasso, Isidro Nonell, Ramon Casas o Pere Romeu. En este dibujo expuesto, aparece un pequeño Touluse-Lautrec. El catalán se movía por los mismos ambientes de distintos artistas de la época, entre los cuales hay el dibujante francés. Coincidieron poco, ya que Toulouse-Lautrec murió al poco tiempo de que Opisso viajara a París (1901). En aquel entonces, a Opisso le hablaron del irlandés Oscar Wilde, que murió a finales de 1900 en la capital francesa. Así que decidió plasmar en una acuarela a estos dos personajes, sentados juntos en un café. Pero sólo fue fruto de la imaginación del catalán.

También hay ilustraciones destacadas por su calidad y porqué fueron divulgadas en algún medio impreso como ‘Paseo por el parque’ de Emili Grau Sala, publicada en el número 553 de la revista Elle, además de ‘El Cornetilla’ del artista Joaquim Torres Garcia, publicada en la ‘Barcelona Cómica’, en enero de 1897, donde ilustró el texto de ‘El Cornilla’ de Miguel Palacios. Estos dibujos junto a los gravados expuestos son una muestra de la creación de pequeños “relatos” de artistas que han dejado una huella en la historia del arte catalán y que se puede acceder hasta el próximo día 17.

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“Hasta otra, Tàpies”

El mundo del arte se muestra sensible por la muerte, este lunes y a los 88 años, de uno de los grandes vanguardistas catalanes y genio del informalismo, Antoni Tàpies. Una noticia que además ha traspasado fronteras por su gran trayectoria y reconocimiento.

Antoni Tàpies era junto a artistas como Miró o Dalí un pintor y escultor admirable. En su tela plasmaba sentimientos y realidades que a lo mejor son muy pequeños y pasarían desapercibidos para algunas personas –como él decía–, pero que quería mostrar. Era como un toque de atención hacia distintas preocupaciones e ideas. Sus creaciones están llenas de simbolismo, donde predominan las fórmulas, las cruces, las palabras y letras, en especial la ‘T’ –tan y tan características en su obra–. Sus obras figurativas y abstractas, realizadas hasta donde éstas mismas le han exigido. Resultados increíbles, dignos de observar. Para muchos, su muerte no convertirá sus obras en gloriosas, pues ya las consideraban como tal.

Cuando una persona muere, “la tradición catalana es que se cierre el negocio algún día por luto, en cambio, la Fundació ha querido abrir en contra de esta tradición y ha optado por tener abierto por duelo”, ha explicado Xavier Antich, presidente de la Fundació Antoni Tàpies. Además, como petición de distintas personas de otros países que querían visitar la muestra, “se abrirá este sábado día 11, y domingo día 12 –el jueves y el viernes mantendrán algunas salas cerradas porqué están preparando la exposición– a un precio simbólico de tres euros”, ha añadido Antich.

En la planta principal han reunido cuatro obras escogidas para la ocasión. A éstas cuatro se le ha añadido una obra, ‘Terròs’ “que es la que la familia quería que estuviera, donde el mismo Tàpies representó la presencia de la muerte en el año 84. Esta muestra es una oportunidad para ver el universo más esencial de Tàpies”, ha manifestado el presidente de la Fundació.

Estas dos jornadas de puertas abiertas, tanto martes como miércoles, han sido un gesto de acercamiento hacia los amantes del arte. Es una forma de dar el pésame a través de la fundación. Según Antich, “la mayoría de personas se lo sentía como propio, aunque no le hubiera visto nunca”.

En la Fundació había mucho movimiento, era un continuo de gente, entrando y saliendo, mirando las obras, subiendo y bajando escaleras, pero con un silencio de respeto –digno de un espacio de arte–. Quiénes lo han deseado han podido escribir algunas palabras en un libro de pésame. De hecho había tres y suficientes o no había gente haciendo cola, esperando su turno para transmitir sus pensamientos. Las obras de Tàpies están llenas de reflexiones pero en unos momentos como éste, se podía percibir un ambiente donde fluía aún más la meditación, a lo mejor porqué su obra ya se ha vuelto limitada, por la sorprendente noticia de su muerte, o porqué obras así causan mucho respeto después de la desaparición del artista. Quién sabe, pero la gente ha querido estar allí, mostrar su admiración. La fundación ha hecho un gesto agradecido por parte de los visitantes, al abrir y que fuera gratuito, aunque los mejores gestos los hizo Tàpies con sus trazos y movimientos llenos de materia, materiales que utilizó junto con la pintura y que han conseguido que los cuadros sean observados y valorados para siempre jamás.

Observar sus obras es un buen ejercicio para la búsqueda e investigación del significado de su creación, un hecho apasionante y ejercitante y que siempre acaba estando en manos del público. Por suerte es un legado que podrán seguir disfrutando los amantes del arte. Sabemos que veremos alguna obra suya y al día siguiente otra o dentro de unos años otra u otras, así que podemos decir en nuestro interior: “Hasta otra, Tàpies / A reveure, Tàpies”.

 Visitantes que observan la obra ‘Terròs’, de Antoni Tàpies

Personas haciendo cola mientras otras están escribiendo en los libros de pésame

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Jan Baca, un artista polifacético que nos trae al paisaje del Baix Empordà

El catalán Jan Baca (Terrassa, 1934) es un artista polifacético: arquitecto, cineasta y dibujante. En estos mismos instantes una producción que consta de unos veinte dibujos está de cara al público, en la galería Alquímia de la ciudad egarense. Sus obras ya han sido expuestas previamente en distintas galerías de arte de esta misma población y de la ciudad Condal.

Enamorado de la comarca del Baix Empordà (Bajo Ampurdán), su creación está formada por distintos paisajes catalanes pertenecientes a esta zona, como Begur, Fontanilles, Pals o Torroella de Montgrí, además de marinas que plasman lugares tan bonitos como la Escala y el Estartit. En la mayoría de sus obras utiliza distintos lápices de color, aunque en algunas opta por utilizar un solo color como el tostado que representa el verano. Sus dibujos son modestos y muestran sencillez, ya que los paisajes se encuentran en el centro del papel con todo su alrededor es blanco. La galerista, Marta Riu, lo compara con una composición musical, dice que la parte de arriba y la de abajo del cuadro “es blanca, como si fueran los silencios” que se pueden encontrar en la música, y “el paisaje es la melodía”. De este modo, “el blanco toma protagonismo”. Este blanco, este silencio, en muchas ocasiones es cómodo y necesario para encontrar una serenidad.

Aún así, la faceta por la cual se conoce a este artista es por la arquitectura, ya que ha realizado –como arquitecto– edificios emblemáticos de Terrassa, como la sede central de Caixa Terrassa (Unnim), la sede del Diario de Terrassa y el Palacio Episcopal egarense. Como cineasta ha rodado más de 60 cortometrajes, la película ‘Un homenot, Josep Pla’ y tres films de temática urbanística para la Generalitat de Cataluña. Además es autor del texto y las ilustraciones –irónicas y graciosas- del libro ‘La casa a mida’, galardonado con el Premio de Humor y Sátira Pere Quart en 2004, y que trata sobre por qué uno decide hacerse una casa, explicado a partir de tres perfiles de personas distintos.

Demuestra ser bueno y tener vocación de artista, y ahora permite que los amantes del arte descubran sus limpios trazos. Sus paisajes estarán expuestos hasta el próximo día 28.

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La primera etapa pictórica de Antoni Clavé en la galería Jordi Pascual

Antoni Clavé (Barcelona, 1913 – Saint-Tropez. Francia, 2005), uno de los grandes maestros de la pintura y que también estudió en la Escuela de París como lo hicieron Picasso, Miró o Saura, es el protagonista de la exposición ‘Antoni Clavé. Pinturas’ representada en la galería Jordi Pascual de Barcelona y que consta de una veintena de cuadros. Es un testimonio de la primera etapa del pintor que engloba desde los años 40 a los 60.

Ya desde el principio de su etapa pictórica se puede apreciar un estilo figurativo, aunque en ocasiones realista, donde el color tiene la suficiente fuerza como para dar un significado, y transmitir sentimientos y sensaciones.

Clavé, durante los años 50 desarrolló distintas series sobre reyes, reinas y caballeros, que poco a poco pasaron del terreno figurativo hacia el abstracto. Aún así, en obras como ‘Roi à l’oiseau’ (‘Rey del Pájaro’), del 1957, se puede observar que a partir de la técnica del óleo y el collage sobre tabla consigue una figura poco definida de un rey que mira a un pájaro. Para estos personajes utiliza colores oscuros como el marrón, el gris, el negro y el azul, representados sobre un fondo de color claro –resultado de una mezcla entre blancos y grises–. Aún así, al ver los distintos cuadros de Clavé, uno se percata de su atracción hacia los colores oscuros, que predominan y hasta forman parte de la totalidad de su obra –negros, marrones, azules, verdes y grises–. El toque de alegría lo dan algunos puntos de color rojo, azul, naranja, amarillo o rosa fosforescente, que forman manchas que se transforman en ‘toques artísticos’ muy bien encontrados y característicos en Clavé.

En esa época también pasó a marcar con fuerza los trazos de las caras de los distintos personajes, aunque con el tiempo, en muchas ocasiones, prefirió no dar tan protagonismo sino más bien, realizar rostros desdibujados. Un claro ejemplo es ‘Bailarines’ (1945) donde lo importante es la figura, en conjunto, de los bailarines y la posición en que se encuentran. Más tarde, hacia los 60, Clavé se vio influenciado por los clásicos y el barroco, reflejando una temática en la que se observa un caballero con la mano en el pecho, estableciéndose como un referente suyo y que fue apareciendo en distintas creaciones del artista, como en la obra ‘La main’ (‘La mano’), hecha en 1964, en la que hay una persona con un vestido negro y un rostro muy desdibujado en el que destaca una mano descansando en su pecho, una mano que además resalta por sus grandes dimensiones. Éstas y las demás obras se pueden apreciar hasta el 15 de febrero en la Jordi Pascual, situada en la zona de mayor concentración de galerías de la ciudad Condal.

‘Roi à l’oiseau’, de Antoni Clavé. Imágenes cedidas por la galería Jordi Pascual

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África y Cataluña en el interior de Sergi Barnils

Nacido en África pero de familia española, Sergi Barnils (Bata, Guinea Ecuatorial, 1954) se sincera y explora su propio interior, en el que predomina un mensaje religioso. El Centro Cultural Unnim Caixa Terrassa ha reunido más de setenta obras suyas, bajo el título ‘Sergi Barnils. Hacia la ciudad esplendorosa’, para ofrecer una retrospectiva que va desde el 1988 hasta el 2011.

El comisario de la exposición, Luca Beatrice, describe al pintor, que vive en Barcelona aunque trabaja en Sant Cugat, como: “Español de adopción pero africano de sangre, porqué nació en Bata (Guinea Ecuatorial); en él se cruzan los sabores mediterráneos, los paisajes tanto de Bata como de Cataluña, los cálidos ritmos del continente negro con la cultura al rojo vivo de la España posfranquista”. Según Beatrice, a Barnils “no se le puede circunscribir en ninguna categoría pictórica concreta”. Ha tenido distintas tendencias –figurativas, abstractas, cubistas, informalistas–. Un claro ejemplo del cubismo es, ‘Doce estadios de los caminos de la estancia luminosa’ (1994) que reúne 12 paisajes y situaciones distintas a partir de figuras geométricas llenas de colores vivos, igual que en ‘Estadios de los jardines olvidados’ (1997). Con tan sólo dos colores opuestos, el blanco y el negro, crea una figura invadida por símbolos –redondas, cuadrados, triángulos,...– que forman un conjunto llamado ‘De los signíferos negros’ (1996). Un cubismo que luego evoluciona hacia un informalismo a partir de una técnica material que aporta la escultura en la pintura, como en ‘Pondero, Señor, las obras de tus manos’; o una técnica encáustica como en ‘Dios nos ha bendecido’, realizadas este año 2011. Su expresión gestual surge de un gesto improvisado y rápido aunque muy controlado que crea formas geométricas. Esta geometría que se quiere sumergir dentro de su alma, revela una inocencia como si se tratara de un niño.

Su fuerte creencia religiosa le lleva, principalmente a partir de los años 80, a fijarse en el cielo, especialmente del Vallès Occidental y con el tiempo a refugiarse en su espíritu; conduciéndole todo ello al Libro de la Revelación o Apocalipsis, que tanto le fascina. Como se explica en el catálogo de la exposición, el artista “se adentra en los últimos capítulos, el 21 y el 22, donde se describe la nueva Jerusalén, la ciudad celestial, imagen figurativa del paraíso que, en la visión del evangelista Juan a Patmos, baja del cielo como una novia engalanada”.

Es de admirar cómo utiliza la técnica de la encáustica, que consiste en aplicar una capa de cera caliente sobre la pintura y que luego se pule con trapos secos. Los asistentes pueden observar un documental que muestra el proceso de creación de algunas obras mediante esta técnica. Su producción aporta distintas formas y símbolos. Algunos de ellos, pueden recordar el estilo de Miró.

Barnils, al igual que muchos artistas, ha tenido más éxito en el extranjero que en España. Su gran reconocimiento queda demostrado en esta muestra que cuenta con la colaboración del comisario de la exposición, Luca Beatrice, y de la Galería Marcorossi Artecontemporanea de Milano. Los cuadros proceden de colecciones privadas y museos públicos de Cataluña y de la capital de La Rioja –Logroño–, a parte de distintos países como Alemania, Italia, Austria y Holanda. La retrospectiva se puede observar hasta el 15 de enero.

‘Dios nos ha bendecido’, de Sergi Barnils

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Empieza Room Art Fair, una nueva feria de arte emergente

Este viernes ha abierto sus puertas la Room Art Fair Madrid, una nueva feria de arte emergente que se celebra hasta el próximo domingo en el hotel chic&basic Mayerling, situado en el centro de la capital.

Uno de los aspectos más originales de este evento es que los stands de las galerías son las habitaciones de este hotel de diseño y que durante este fin de semana acoge a 21 galerías jóvenes y emergentes de toda España, y un espacio colombiano llamado Casa Cuadrada de Bogotá. Las españolas presentes son, cinco de la capital –Galería Guerrero, PAC-Plataforma de Arte Contemporáneo, Pelayo, Arteuno y ASM28–; cuatro de Barcelona –Imaginart Gallery, Untitled BCN, etHALL y N2 Galería–; tres de Valencia –Espai Tactel, Trentatres Gallery y Mister Pink–; tres de Mallorca –Centre d’Art La Real, Addaya e Intersecció Art–; y con una sola presencia: Almería –Centro Meca-, Cantabria –Espiral-, Oviedo –Lola Orato–, Santiago de Compostela –Metro Arte Contemporánea– y La Coruña –Monty4arte–. Éstas pretenden ofrecer una visión panorámica de lo más actual en cuanto a creación artística española.

La organización describe a esta feria como “un evento joven que nace con vocación de servir de revulsivo al mercado emergente y al panorama artístico de la capital. Esta iniciativa apuesta por galerías jóvenes que plantean propuestas innovadoras y arriesgadas, y que han sido seleccionadas en función de su originalidad, juventud y compromiso con las nuevas generaciones de artistas”. Está dirigida a todos los públicos, pero pone énfasis en que quiere “atraer a un nuevo tipo de coleccionista, más joven”. En el acontecimiento se exponen obras de pequeño y mediano formato cuyos precios son accesibles para todos los bolsillos, sin perder la calidad y originalidad.

Room Art Fair se ha inspirado en experiencias llevadas a cabo con éxito en otros lugares del mundo. Las habitaciones del hotel sirven para presentar las obras de los artistas y al mismo tiempo son el alojamiento de los galeristas participantes. Según la organización, “es una fórmula de propiciar un ambiente relajado y de cercanía que favorezca la venta”. Esta iniciativa la lleva a cabo Espacio Plano B en colaboración con hoteles chic&basic, y cuenta con “un equipo emprendedor, multidisciplinar, experimentado y muy joven, con una media de edad de 30 años”.

METRO. Escultura. Rosendo Cid. Técnica mixta

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