Vanguardias del Siglo XX en la Galería Manuel Barbié

Obras de vanguardistas destacados como Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Gustav Klimt, Joaquim Torres-Garcia, Alexander Calder y Constantin Brancusi han sido reunidas en la Galería Manuel Barbié bajo el título ‘Afinidades Selectivas’. Coincide con la inauguración de una nueva etapa de la galería, establecida de nuevo en su antigua ubicación de la calle Consell de Cent de Barcelona.

La muestra consta de una gran colección que hace un recorrido por el arte del siglo XX, empezando por el cubismo de Juan Gris, María Blanchard y Amédée Ozenfant; siguiendo con el choque del mundo moderno y maquinista, Jean Metzinger, Albert Gleizes; el redescubrimiento de la sensualidad de Pablo Picasso, Gustav Klimt, Pablo Gargallo y Julio González; la abstracción geométrica y cromática de Joaquim Torres-Garcia, Alexander Calder, Fernand Léger o Alexandra Exter; el arte matérico de Antoni Tàpies y Constantin Brancusi; el arte povera de Tàpies y Eduardo Chillida; abstracciones con Manuel Rivera; y la investigación sobre el espacio y el volumen por parte de Vladimir Lebedev, Robert Delaunay y Jean Arp.

El título de la exposición surge de la novela de J.W. Goethe , ‘Las afinidades selectivas’, que 1922 el ensayista alemán Walter Benjamin dedicó un artículo a analizar las ideas sobre el arte y la creación, que contiene dicho libro. En su escrito, Benjamin expuso una serie de ideas sobre el arte y el lenguaje que en buena parte se pueden aplicar al arte del siglo XX. El arte de aquél siglo se secularizó, perdió el carácter sagrado que tenía en otras épocas, pero al mismo tiempo, se convirtió en la morada de un saber oculto, de un misterio trascendente.

Desde la perspectiva de la novela de Goethe, el concepto de afinidad selectiva remite a la atracción imperativa y misteriosa que empuja a las personas a unirse. Lo mismo pasa con las obras de arte que establecen vínculos subterráneos, por razones formales o por una necesidad interior del artista. Siguiendo esta idea, las obras se estructuran en grupos de dos o tres piezas, alrededor de una sensibilidad o de un estado de ánimo, más allá del estilo o del movimiento. La mirada obsesiva de Klimt, en un dibujo de 1917, aporta un punto de encuentro con la voluptuosidad y la intimidad de una escultura de Gargallo que consiste en una mujer desnuda que se mira en el espejo (1934). Los planes sesgados de un estable Calder, de 1962, establecen una correspondencia con una composición constructivista de Alexandra Exter, una de las grandes figuras de la vanguardia rusa, de los años 20-21. Una extraordinaria escultura de Brancusi, ‘Vis sans Fins de Pressoir’ (1922) aparece junto a una pintura de Antoni Tàpies, de 1964, con una letra T invertida. En ambos casos la materia transmite una idea de ascensión y de trascendencia. Las obras de estos vanguardistas estarán expuestas hasta el próximo 17 de diciembre.

‘Paysage’ (1929), de Fernand Léger. Fuente: Galería Manuel Barbié

 ‘Bol et compotier’ (1925), de Juan Gris. Fuente: Galería Manuel Barbié

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Artistas con una gran trayectoria internacional

Bajo el título ‘The tradition of the new’ (‘La tradición de lo nuevo’), la Mayoral Galeria d’Art de Barcelona presenta una exposición que reúne 43 pinturas y esculturas de reconocidos artistas con una gran trayectoria como Pablo Picasso, Fernand Léger, Le Corbusier, Joan Miró, Sam Francis, Manolo Valdés, Antoni Tàpies, Antonio Saura, Eduardo Chillida, Tom Wesselmann, Alighiero e Boetti, Miquel Barceló y Jaume Plensa, entre otros. En pocas ocasiones podremos disfrutar viendo en un mismo espacio obras de tan grandes artistas.

Bosco Sodi (México D.F., 1970) se encarga de dar la bienvenida a los visitantes con su obra, ‘Sin título’, muy vistosa, no sólo por los colores verdes y amarillos utilizados sino por su gran tamaño de 200 x 280 cm. Llamativa es también ‘V. á G. III’ de Miquel Barceló (Felanitx, Mallorca, 1957) donde aparecen figuras femeninas, que parecen mujeres africanas que llevan un  jarrón en la cabeza. Y qué mejor que darles ritmo a partir de la sinfonía que marca la pintura de Joan Miró (Barcelona, 1893 – Palma de Mallorca, 1983), ‘Pastel, lápiz y tinta sobre papel’. El movimiento, que parece que la obra se vaya deformando, lo aporta Fernand Léger (Argentan, Normandía, 1881 – Gif-sur-Yvette, 1955) con ‘Projet pour Sao-Paulo’ donde se muestra a tres mujeres abrazadas como si estuvieran bailando. Léger, considerado uno de los precursores del Pop Art, utiliza colores vivos como el amarillo, el rojo, el azul y el turquesa. Tom Wesselmann (Cincinnatti, 1931 – New York, 2004) también se encontraba dentro de este estilo Pop Art, y su cuadro ‘Monica Nude with Lichtenstein’ (‘Monica desnuda con Lichtenstein’) destaca al representar una chica desnuda acompañada de una gran obra de Roy Lichtenstein –otro de los grandes del Pop Art-.

De Pablo Picasso (Málaga, 1881 – Mougins, Francia, 1973) hay dos cuadros, ‘Estudio Nº XIII, por “Le déjeuner” (el almuerzo)’ muestra el erotismo, y en el otro ‘Deux vieux lisant une lettre’ (‘Dos viejos leyendo una carta’) se muestra a un anciano leyendo una carta mientras una mujer le escucha atentamente. Manolo Valdés (Valencia, 1942) da más color, a partir de ‘Dos colores de la paleta’; Antoni Tàpies (Barcelona, 1923) nos muestra un ‘Pie rojo rodeado’; Eduardo Chillida (San Sebastián, 1924 – 2002) nos da una clase magistral de ‘Gravitación’; y Antonio Saura (Huesca, 1930 – Cuenca, 1998) busca nuestra atención con su ‘Retrato 117 / Autorretrato’.

Otro artista con proyección internacional es el escultor Jaume Plensa (Barcelona, 1955). Esta galería quiere mostrar el magnífico autorretrato ‘Self-portrait with Rivers I’ (‘Autorretrato con Ríos I’) realizado a partir de un mármol blanco reconstruido. Ésta junto a las demás obras expuestas, hasta el próximo mes de enero, hacen que la muestra sea muy completa e interesante.

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Mel Ramos: “No es sexo, es nudismo: es la figura humana”

No es machista ni tiene una mente sucia, más bien le atrae la figura de la mujer. Mel Ramos (Sacramento, California, 1935) es un referente en el Pop Art, es uno de los impulsores de las pin-ups, mujeres con mirada insinuadora o con cara de sorpresa, y en muchas ocasiones desnudas, entregadas a un mundo varonil. Ramos, que desde hace años veranea en Horta de Sant Joan, ha pintado a distintas ‘celebrities’, además de a su simpática mujer y a su hija. Una veintena de sus obras han llegado a la Galería Senda (Barcelona) y podrán ser observadas hasta el día 12 de noviembre.

¿Por qué escogió el estilo Pop Art?

Dejé de pintar cuadros abstractos porqué estaba cansado y pensé en realizar obras en que me lo pudiera pasar bien. Estas fueron bautizadas con el nombre de Pop Art, concepto que acuñó Lawrence Alloway a medianos de los 50.

Lo primero que usted pintó fue superhéroes. ¿Qué le hizo cambiar para pintar chicas desnudas?

Conocía los superhéroes porqué tenía una colección de cómics. En 1959 pinté, por primera vez, a Batman. Luego a Superman, y la mayoría de superhéroes como Spiderman, el Capitán America,... y cuando terminé con todos los superhéroes masculinos empecé a pintar a todas las superheroínas. Vi una relación erótica en todo esto y después lo que hice es poner la cara de personas reales, algunas de ellas famosas como Marilyn Monroe y Jane Russell, que aparecían en revistas, con el cuerpo de los superhéroes. Cuando plasmé a superheroínas con formas como estrellas y redondas, me surgió la idea de convertir el fondo en cerraduras; así pasé a realizar mujeres desnudas dentro de cerraduras que es como mirar a través de éstas y luego es cuando me sentí atraído por la publicidad porqué me gustaba el diseño gráfico de todo este tipo de marcas.

¿Qué hace que las mujeres junto a la publicidad sean tan especiales?

La relación de la mujer y la publicidad es incongruente, y no lo ves como una sorpresa.

Me imagino que algunas ‘celebrities’ le han pedido que las pintase...

Me ha pasado un par de veces. Julie Newmar, era una actriz buena pero no de las mejores, y se fue haciendo mayor, por lo que Hollywood ya no estaba interesado en ella, se hundió psicológicamente. Estuvo en terapia por su depresión, y al salir me envío una carta en la que me preguntaba si quería pintarla. Lo hice. Luego no supe nada más. El otro caso fue hace dos años, cuando Pamela Anderson vino a mi estudio y me dijo que la pintara. Apareció con un bikini muy pequeño y me preguntó si la quería pintar con éste y yo le dije que no, que se lo quitase todo. Le hice dos pinturas, una con una botella de vino, y la otra no la quiso porqué dijo que no tenía dinero.

¿Siempre toma una fotografía antes de pintarlas?

Sí, siempre. Cuando tengo que hacer una obra de alguien, lo primero que hago son unas 200 fotos con distintas posiciones, y objetos como por ejemplo un cigarro. Luego las paso al ordenador y con el programa Photoshop edito las que me gusten y que tenga ganas de pintar. Después le envío al cliente para que escoja cuál quiere.

¿Ha tenido alguna queja o gente en contra por el hecho de pintar chicas desnudas?

Sí, muchísimas, de mujeres feministas enfadadas. Además cuando exponía en los museos había mujeres artistas que no querían exponer junto a mí. Al principio tuve muchas quejas, de esas feministas, junto a  Tom Wesslam y Allen Johns porqué los tres pintábamos mujeres desnudas y la gente estaba en desacuerdo, hasta que apareció algún fotógrafo más agresivo. Fue entonces cuando me dejaron tranquilo.

¿Desde cuándo veranea en Horta de Sant Joan? ¿Es un buen lugar para inspirarse?

En 1972 me compré una casa, así que hace 39 años que paso los tres meses de verano en Horta de Sant Joan. Me enamoré del paisaje y me atrajo la idea de que Picasso hubiera estado allí. Este lugar me inspiró nuevas ideas como las pinturas que hice en los años 80 sobre las cuatro estaciones, que consistían en nuevos paisajes, sin vistas al suelo, como composiciones diagonales que van de un lado al otro. Me cautivó este pueblo con forma de colina, ya que si uno mira desde arriba ve ese tipo de perspectiva o forma diagonal. Mis primeros dibujos realizados allí, los hice en la cocina, aunque más tarde me di cuenta que no era lo mío, que lo que yo realmente amaba era la figura femenina.

¿Y por qué Horta de Sant Joan?

En 1972, estaba en una exposición en una galería de Zurich, y el galerista vendió cuadros y me pagó. Mis amigos de Zurich me recomendaron Horta de Sant Joan para comprar una casa, me dijeron que sería más barata que Italia o Francia. Y vine con ellos, quería ver el pueblo donde Picasso hizo obras que cambiaron el mundo del arte. Cuando llegamos a Horta de Sant Joan nos gustó mucho y decidí veranear allí.

¿Ha sido un referente Pablo Picasso para usted?

No tanto, porqué el cubismo es otro estilo, pero me gustan mucho sus dibujos eróticos.

¿Qué artistas cree que le han influenciado más?

Diego Velázquez y Joaquín Sorolla.

La música es la fiel compañera de trabajo de algunos artistas. ¿A usted qué le acompaña mientras pinta?

Música clásica por la mañana, concretamente Antonio Vivaldi, y Jazz por la tarde. Excepto cuando pasa algo serio e impactante en el mundo como el ataque al World Trade Center, entonces enciendo la televisión para ver las noticias.

¿Cómo se definiría?

Como un surrealista deconstruido. Admiro la obra de Salvador Dalí, su surrealismo, por ese elemento sorpresa. Yo lo intento con mis dibujos pero mucha gente cuando ve los desnudos sale corriendo. No es sexo, es nudismo: es la figura humana.

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Ferran Adrià, protagonista de la exposición ‘El arte del comer’

Ferran Adrià, considerado uno de los mejores cocineros del mundo, es uno de los protagonistas en la exposición ‘El arte del comer’ que se podrá visitar a partir de este martes, 15 de marzo, hasta el 26 de junio en la conocida Pedrera (Barcelona), actual sede de la Obra Social de Catalunya Caixa y última gran obra civil de Gaudí antes de dedicarse a la Sagrada Familia.

‘El arte del comer’ la componen 130 obras de 76 artistas procedentes de unos 70 museos y colecciones particulares de 14 países. Se quiere mostrar la relación tan intensa entre el mundo del arte y la cocina, que mantienen desde sus orígenes, y la consolidación del género de la “natura muerta” en el siglo XVII hasta la actualidad, generando un debate. Recae una especial atención en las distintas manifestaciones artísticas creadas a partir de los años 60 y 70, cuando la comida y el acto de comer irrumpían en la obra de los artistas participantes que buscaban otros materiales, nuevas conductas y nuevos criterios para ir más allá de la mera plasmación de la realidad. La muestra tiene cuatro apartados: la representación de la natura muerta; el arte conceptual y el alimento como material; los artistas cocineros, artistas que han utilizado restaurantes como talleres de investigación artística; y el último espacio destinado a Ferran Adrià –como generador de creatividad– donde se pueden observar obras inspiradas en la cocina del catalán.

Entre los cuadros se encuentran ‘La mesa negra’ de Òscar Domínguez, ‘Desayuno sobre la hierba’ de Ana Bieira, donde se reflejan las artes sociales, los momentos que acompañan durante la comida. También tienen cabida los lugares reservados a la comida como ‘Rincón de cocina’ de Vicente Victoria, y los alimentos como en ‘Dos trozos de pan expresando el sentimiento del amor’ de Salvador Dalí. Otros artistas presentes son Antonio López, Pablo Picasso, Chaïm Soutine, Miquel Barceló,Juan van der Hamen, Tomas Hiepes, Luis Meléndez, Dieter Roth, Gordon Matta-Clark, Martha Rosier y Jana Sterbak.

Aún así, la parte más elaborada de ‘El arte del comer’ es dónde se encuentra la obra de Antoni Miralda, el bar de tapas típico de Nueva York, ‘El Internacional’. Ésta se expuso en el Soho entre 1984 y 1986. Luego le sigue el ‘Food’ de Gordon Matta-Clark (Nueva York) que conformó una comunidad de artistas, y el arte del Restaurante Spoerri de Daniel Spoerri, en Düsseldorf (Alemania).

Adrià, fuente de inspiración

En la última parte de la exposición se puede observar las obras de los artistas que ha inspirado el cocinero, como el fotógrafo Francesc Guillamet, que fotografió todos sus platos y Richard Hamilton, que incluyó a Adrià en su obra ‘Polaroid Portraids’ –en 1999–. Posteriormente el cocinero de elBulli intervino en Documenta 12, celebrada en Kassel. Esto dio lugar al libro ‘Comida para pensar, pensar sobre el comer’ con la colaboración del mismo Hamilton como editor, junto a Vicente Todolí. Así, la fundación Obra Social de Catalunya Caixa quiso llevarlo a las artes plásticas con la exposición ‘El arte del comer’.

Desde la década de los 90, Ferran Adrià ha sido fuente de inspiración para distintas personas del mundo del arte, del diseño y la ciencia, por su gran creatividad. Con esta exposición no se quiere decir que la cocina de Adrià sea arte, sinó más bien inspiración. Pensar si su cocina es arte, está en vuestras manos...

    

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Montserrat y su belleza artística

Montserrat no sólo es bello por su paisaje sino también por lo que convive entre sus preciosas montañas. En su museo, el Museu de Montserrat, relucen decenas de bellas obras de grandes artistas. En el interior del moderno edificio hay distintas obras clasificadas y ordenadas según la época a la cual pertenecen, así durante el recorrido, el visitante puede apreciar los diferentes estilos y artistas que se exponen en sus salas.

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Magníficas obras singulares

Cerca de 30 obras de arte fascinantes están en silencio en la Galería de Artur Ramon Art, en Barcelona. Son obras únicas y excepcionales, como bien indica su lema, 'Obras Singulares. Tratando con la excelencia'. Nada más entrar, los visitantes se encuentran con esculturas y distintos artilugios. Pero a medida que los asistentes van recorriendo la sala pueden encontrar por su camino distintos cuadros.

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Els Quatre Gats, un lugar de encuentro entre artistas

Los pintores Ramon Casas y Santiago Rusiñol apoyaron a su amigo, Pere Romeu, económicamente para que pudiera crear un restaurante parecido al que había trabajado anteriormente, ‘Le Chat Noir’ de París. Els Quatre Gats fue inaugurado el 12 de julio de 1897 en la calle Montsió, una calle perpendicular al Portal del Àngel (en Barcelona). Era un sitio donde se podían ver detalles artísticos combinados con objetos característicos de un hostal tradicional. Situado en los bajos de la Casa Martí, era un edificio modernista construido por el arquitecto Josep Puig Cadafalch. Este bar era un lugar de encuentro de distintos artistas, algunos de ellos muy conocidos.

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Paralelismo entre Picasso y Degas

Edgar Degas (1834-1917) y Pablo Picasso (1881-1973) tenían un estilo parecido. Así se muestra en el museo Picasso de Barcelona. Obras que Degas pintó, más tarde Picasso hizo lo mismo y hasta desde una misma perspectiva. El artista malagueño sintió durante toda su vida una fascinación por la obra y personalidad de Degas. Coleccionó obras del impresionista, reinterpretó la iconografía más característica varias veces, y al final de su vida creó escenas que incluyen retratos de Degas, situado en un burdel.

Ambos artistas se centraron, a lo largo de su carrera, en la figura humana. Partieron del retrato para pasar de las técnicas tradicionales a una iconografía más moderna. No era fácil destacar. Degas, tenía unos treinta años cuando pintó los primeros cuadros modernos de importancia, en cambio, Picasso logró el mismo objetivo con tan sólo doce años.

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Preciado arte

¿Alguien ofrece más?

El arte mueve mucho dinero, pero no sólo está el valor económico sino que detrás hay una gran estimación por las obras, que son valoradas tras una inspiración de un artista que se lo ha ganado a pulso. Para muchos amantes del arte, tener una escultura de un escultor al que adoran o un cuadro de un pintor que les gusta su trabajo, es un objetivo y cuando esto acontece es su mayor tesoro.

El arte también tiene su faceta de espectáculo que se lleva a cabo en las subastas. Este miércoles y jueves, en Balclis, una sala de subastas de Barcelona fundada en 1979 y que se ha convertido en un referente a nivel nacional, se han subastado unas 1260 obras –entre joyas, relojes, antigüedades, muebles, libros, documentos históricos y pintura-. El silencio, la meditación y la expectación son complementos de las subastas. Muchos de los asistentes anhelan poseer una obra de arte que han podido observar días antes –del 18 al 26 de octubre-, expuesta en la sala, o mientras se celebraba la subasta. Los ojos que observan las obras muestran una gran admiración.

Perfil del comprador de arte

Hay distintos tipos de personas que compran arte. Según Tachu Climent, director de Balclis, “en el perfil mayoritario se encuentran los empresarios o profesionales liberales con alto poder adquisitivo. A su vez, también hay un gran abanico de particulares que compran cosas según sus posibilidades y sobretodo, es una compra con más conocimiento de lo que se compra. Escasea la compra por impulso que existía antes del 2007”. Además, hay quien asiste personalmente a la subasta, quien envía a alguna persona de confianza para que puje por él, o quien una vez ha visto la exposición contacta con esta casa de subastas para informarles que quiere pujar. De esa manera, cuando se hace la subasta, seis trabajadores de Balclis llaman a los interesados que pujan a través del teléfono. La verdad es que las pujas más espectaculares eran las que hacían las personas que se encontraban al otro lado del teléfono. Climent añade que “quizás hayan desaparecido un poco de la escena los anticuarios y galeristas, y se ha dado paso al profesional del extranjero que ve en España una buena plaza para proveerse de piezas de calidad”.

Los cuadros tienen más éxito

La pintura es el sector que tiene más interés. Cada pintura tiene un valor, menor o mayor, que se ha tasado previamente, y puede que haya varias personas dispuestas a pujar o que en ese momento no haya nadie que lo desee. En general hay un ritmo rápido, pero cuando hay una obra muy preciada es cuando la adrenalina parece que vaya subiendo, se van viendo manos que levantan un número que se asocia a un código -la sala de subastas da números a los que quieran participar, una vez estos han dado sus datos personales ya pueden localizarlos en caso de que se queden alguna obra-. Hay cuadros que por ser de Picasso, Dalí, Miró,... seguro que su valor va aumentando. Pero los cuadros que también son admirados son los relacionados con la imagen religiosa como uno realizado por la escuela napolitana de la primera mitad del s.XVII y titulado ‘Salomé’. Este tuvo un precio de salida de 5.000 €, pero los admiradores fueron pujando hasta que la obra consiguió un valor de 16.000 €. ¡Extraordinario!, tres veces más que el precio de salida. Otro, muy bonito, que aumento hasta triplicar el valor de salida fue uno de Segundo Matilla (Madrid 1862 - Teià, Barcelona 1937), con un óleo sobre lienzo titulado ‘Cadaqués’. Este paisaje incrementó su valor según las pujas que se hacían hasta conseguir un precio de 22.000€.

Sin embargo, el momento más fascinante y admirado fue cuando mostraron un Dalí llamado ‘El puerto de Cadaqués de noche’ realizado hacia 1919. Su precio de salida era de 60.000 y se adquirió por 140.000 euros, en tan sólo unos segundos, a pesar de su pequeño tamaño - 20 x 24 cm-. Le siguieron los aplausos de los asistentes.

En esta subasta, la Generalitat obtuvo por derecho de tanteo dos pinturas, una de Francisco Domingo Marqués, bajo el título de ‘Mon Maitre’, por un precio de 3.000 euros, precio de salida -puesto que nadie pujo por él-, y el otro llamado ‘Santas mártires’, del Maestro de Estamariu ,con un precio de 18.000 euros - valor a ofertar-.

La próxima subasta se hará en diciembre, acompañada, también, de sorpresas.

Imagen cedida por Balclis sobre la subasta del pasado mayo

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